Pierre Dac, l’engagé

Brassaï, Pierre Dac devant son micro
Paris, 1935
 © Estate Brassaï ©RMN-Grand Palais / Jean-Gilles Berizzi

 Consacrer aujourd’hui une exposition à Pierre Dac est une entreprise de salut public. L’enjeu était d’autant plus risqué que rien ne pouvait garantir qu’un tel personnage puisse vivre ou revivre sur les murs d’un musée. Un vrai pari. Gagné ! Gagné par la force de la scénographie qui nous entraîne dans un parcours à la fois chronologique et thématique de l’artiste; gagné par la richesse des archives visuelles et sonores réunies par Jacques Pessis et Anne Hélène Hoog, tous deux commissaires de l’exposition; gagné par le point de vue qui préside à cette présentation : celui de dépasser l’image d’amuseur qui colle à Pierre Dac pour nous faire découvrir un homme complexe, engagé dans son temps et ses combats, un artiste à la fois populaire et exigeant, un surdoué des mots, de la langue française et de ses avatars (argot, contrepèterie, associations…), un français patriote, un juif dans sa chair, un amoureux de sa femme à qui il tiendra sa promesse de se convertir au catholicisme pour l’épouser religieusement.

Pierre Dac et André Gabriello- Canular pour L’Os à moelle, Saint-Cloud, novembre 1938
Archives Jacques Pessis

« Si l’existence est une course d’obstacles, la vie est une marche d’épreuves » a écrit Pierre Dac. Sa vie ou plutôt celle d’André Isaac commence en 1893 au sein d’une famille juive alsacienne qui s’installe à Paris en 1896 au coeur du quartier de La Villette, où son père est boucher. Il devient Pierre Dac en 1922 sur la scène de La Vache enragée, un cabaret où raisonnent ses premiers textes dans l’esprit Louchebem, l’argot des bouchers. Sa carrière naissante de chansonnier le propulse dès 1934 comme Le Roi des Loufoques. Pierre Dac a saisi l’absurdité du monde au sortir de la Grande Guerre où il s’était engagé, où il fut gravement blessé au bras et où son frère ainé est mort pour la France. Et si, face à la perte de sens qu’offre ce mode ébranlé, l’humour, le rire étaient des armes ? Pierre Dac a compris la force des mots, de la langue et ne va cesser de les utiliser pour sauter « les obstacles de l’existence et les marches de la vie ». Il ne s’inscrit ni comme militant politique, ni comme théoricien du verbe. Il consacre sa vie et ses textes à combattre toute forme de bêtise ou d’autoritarisme, toute entrave à la dignité ou à la justice, tout obstacle à la liberté. Avec une arme imparable : le rire. Avec tous les moyens qu’il pourra mettre à sa disposition : le cabaret, la radio, la presse puis la télévision, la littérature et le cinéma. 

Il devient un humoriste professionnel, un artiste populaire en empathie avec  le public. La radio arrive très vite dans son parcours : dès 1936, on l’entend sur les ondes de Radio Cité, fondée par Marcel Bleustein-Blanchet, puis en 1937 sur Le Poste parisien où il présente en public et en direct l’émission « La Société des Loufoques » et le jeu La Course au trésor. Le succès de ses émissions va lui ouvrir les portes de la presse écrite en 1938 : les frères Offenstadt, aux manettes de la Société parisienne de presse, lui permettent la création du journal satirique L’Os à moelle qui, dans cette période de « drôle de guerre », enchante des milliers de lecteurs : les premiers numéros se vendront à 400.000 exemplaires. 

 

Évocation de Pierre Dac
Paris, 1963 Disque vinyle 33 tours
Archives Jacques Pessis

S’il participe à quelques tournées avec le Poste parisien et le Théâtre des armées à la déclaration de guerre en 1939, il comprend dès 1940 l’urgence de quitter Paris pour échapper à une arrestation. Antinazi de la première heure, l’Os à moelle était devenu sa tribune de prédilection pour s’opposer à la montée des fascismes et à l’extrême droite française. Résistant, il cherche à rejoindre De Gaulle à Londres. Avec celle qui deviendra sa femme, la comédienne Dinah Gervyl, il se rend d’abord en Bourgogne avant Toulouse où la mère de Dinah soutient un réseau de résistants. Il parviendra enfin en Angleterre en 1943 non sans avoir connu plusieurs arrestations et détentions. A partir de d’octobre 1943, il devient l’une des voix de la BBC pour l’émission « Les Français parlent aux Français ». Dès l’instant où il prendra la mesure de l’horreur des crimes nazis et de ceux des miliciens, il n’aura de cesse, jusqu’en août 1944, de fustiger la  France pétainiste et les occupants, en rédigeant plus de quatre-vingt éditoriaux et chansons pour la radio, et des articles dans le journal de la France libre, France. Son texte magistral « Bagatelle pour un tombeau » que donne à lire ou relire l’exposition, adressé à Philippe Henriot, secrétaire d’État à l’Information et à la Propagande du gouvernement de Vichy et orateur de Radio-Paris, expose de manière bouleversante l’attachement de Pierre Dac à son identité française et à la France. Le pays le récompensera de ses activités par la médaille de la Résistance française puis par sa nomination de Chevalier de l’ordre de la Légion d’honneur en 1946. 

Pierre Dac et Francis Blanche dans le sketch « Le Sâr Rabindranath Duval »
1960 Archives Jacques Pessis

Les années 1950 vont être celles de ses grands « tubes ». Sa rencontre avec Francis Blanche en 1947 inaugure la formation d’un duo culte qui va  offrir une palette réjouissante d’innombrables sketches, émissions et feuilletons. A la scène, ils triomphent dans plusieurs cabarets dont Les Trois Baudets avec la revue Sans issue !  d’où surgit du fameux concept du « schmilblick » -qui pourrait être la contraction des termes yiddish blick (« regard ») et schlemiel (« idiot »)-, mot qui rentrera dans la langue française pour désigner un « machin ». A la radio, les deux comiques mettent leurs talents au service de Paris Inter avec l’émission Le Parti d’en rire (qui deviendra Faites chauffer la colle). Plus tard, Signé Furax nourrira 1300 épisodes entre 1956 et 1960 sur Europe n°1. 

L’Os à moelle, n° 43, 11 février 1965, Archives Jacques Pessis

Peut-on imaginer que l’homme au pouvoir de faire rire tant de spectateurs et d’auditeurs puisse être le même qui, depuis 1946, souffrait d’un état dépressif profond ? Peut-on croire qu’il répétera par quatre fois la tentative de se suicider à la fin des années 1950 ? Les horreurs de la guerre et de la barbarie nazie ont transformé sa vision du monde. Du registre loufoque il passe à une posture plus philosophique. Son combat contre le racisme et l’antisémitisme se concrétise dans une série de papiers pour la revue de la LICA, Le Droit de vivre. Sa critique du monde politique et des élites s’incarne dans sa candidature à l’élection présidentielle de 1965. Son parti, le M.O.U (Mouvement ondulatoire unifié) ) propose le slogan imparable : « Les temps sont durs, vive le M.O.U » ! Jacques Martin aurait été Premier ministre, Jean Yanne et René Goscinny ministres de son gouvernement. En mars 1966, il n’hésite pas d’incarner un président de tribunal dans le spectacle L’instruction (Der Ermittlung) du dramaturge allemand Peter Weiss monté par Gabriel Garran au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers, tiré des minutes du procès de Francfort-sur-le-Main jugeant, de décembre 1963 à août 1965, vingt-deux responsables et gardiens du camp d’extermination d’Auschwitz. 

Il s’en est expliqué : « Je suis avec vous, car c’est mon devoir. Cette aventure est indispensable ! Il faut par tous les moyens que la trace de faits aussi dramatiques demeure présente dans toutes les mémoires, afin qu’ils ne se reproduisent jamais ». Témoin de son époque et acteur de l’Histoire, Pierre Dac a resserré son lien au judaïsme depuis la fin de la guerre. Son texte paru en 1974, un an avant sa mort, dans Le Journal des communautés, intitulé Ecoute Israël, évoque la résurrection du peuple juif après l’extermination, tout comme cette « pensée » : « L’âme des justes qui ont péri dans les fours crématoires est immortelle. La preuve, dans le ciel, j’ai vu briller des étoiles jaunes. » 

A une époque où les ondes, la télévision et les scènes sont saturés par les « comiques », il est urgent de rendre à Pierre Dac sa visibilité et de comprendre sa contemporanéité. Il est le précurseur et l’inspirateur de toute une génération d’humoristes déjà disparus tels Coluche, Pierre Desproges ou Jean Yanne mais aussi plus près de nous des Nuls, de François Morel et de bien d’autres.

Pierre Dac dans une émission de télévision avec Coluche et Sylvie Joly, Paris, années 1960-1970, Archives Jacques Pessis

Il ne faut pas rater une autre exposition est présentée simultanément au mahJ : Juifs du Maroc, 1934-1937 Photographies de Jean BesancenotDans un tout autre registre que Pierre Dac, sa visite est enthousiasmante. Elle nous immerge dans une série de photographies réalisées par Jean Besancenot (1902-1992) qui fut à la fois peintre, photographe et ethnographe autodidacte. Spécialiste des costumes régionaux français, il est séduit en 1934, lors d’un voyage d’études au Maroc, par le pays et par ses costumes traditionnels. Il photographie lors de plusieurs séjours, en mission pour le Musée de l’homme, des hommes et des femmes des communautés arabes, berbères et juives dans leurs costumes traditionnels. Il réalise aussi des dessins et rédige des notes très précises. Nous sommes frappés par la présence si forte de ses modèles et par leur modernité. A travers cet ensemble photographique, à la fois documentaire et esthétique, cette exposition propose un témoignage précieux sur une communauté aujourd’hui disparue. Elle est aussi l’occasion pour la photographe Hannah Assouline, commissaire de l’exposition avec Dominique Carré, de reconstituer une partie de son histoire familiale, à l’aune d’une photographie de son père, Messouad Assouline, qui figure dans ce corpus présenté au mahJ.

Pierre Dac, Du côté d’ailleurs
Paris, Société nouvelle des éditions Valmont, 1960, Archives Jacques Pessis
Pierre Dac, Du côté d'ailleurs 

Juifs du Maroc, 1934-1937 Photographies de Jean Besancenot

Musée d’art et d’histoire du Judaïsme      www.mahj.org

Sarah Moon, PasséPrésent 

 

En Roue Libre, 2001© Sarah Moon

La première salle de l’exposition PasséPrésent consacrée à Sarah Moon au Musée d’Art Moderne donne le ton. Aucune chronologie, aucune présentation de l’artiste pour introduire le parcours proposé. Nous sommes immédiatement plongés dans une dimension intemporelle, confirmée par la photographe : « Vous avez dit chronologie ? Je n’ai pas de repères, mes jalons ne sont ni des jours, ni des mois, ni des années. Ce sont des avant – pendant – après.» 

Ne cherchons pas de dates et avançons dans cet univers noir et blanc, éclairé soudain par la photo couleur d’une robe à pois qui nous éblouirait presque. La magie opère, celle d’entrer dans l’univers d’une artiste dont nous n’avions qu’une perception très partielle. Pour moi, Sarah Moon était une photographe de mode, celle des superbes photos réalisées pour les campagnes Cacharel dans les années 1970. L’exposition que le Musée d’art Moderne lui consacre aujourd’hui révèle un monde, son monde.

La mouette 1998© Sarah Moon

Un monde dont les contours sont flous, le flou de la myopie de Sarah Moon, le flou de la lumière qui l’intéresse. Elle n’aime pas la lumière crue. Elle aime le brouillard, la buée, la pluie, les nuages, la fumée.

Sarah Moon déteste les affirmations car, pour elle, « la vérité est tellement mobile ». Elle a déclaré le réel nul et non avenu. A la question « Qu’est ce que la nostalgie ? », elle répond : « C’est le rêve de quelques chose qui n’a pas existé. C’est le rêve d’un rêve ». C’est bien à une sorte de rêve qu’elle nous convoque, à des représentations oniriques de l’enfance, de la féminité, d’animaux, de paysages délabrés, de fêtes foraines, qu’elle met en scène pour nous. Car le support de son travail depuis ses débuts, inaugurés par la photo de mode, c’est la fiction. Elle a besoin de se détacher de la réalité pour mieux l’approcher.

Pour Yohji Yamamoto, 1996© Sarah Moon

Elle dit travailler avec le hasard, que ses photos sont des accidents. C’est le hasard qui l’avait conduite sur le chemin du mannequinat, son premier métier. Elle a d’abord pris pour modèles ses collègues. On les retrouve au fil de l’exposition : Audrey, Theresa, Eva, Kasia, Val… Qu’elles posent pour la Sarah Moon qui remplit une commande par Yohji Yamamoto, Issey Miyake, Comme des Garçons, Vogue, Chanel ou Dior ou pour la Sarah Moon qui se livre, à un travail personnel, les visages ou les corps des « filles » ont un grain tellement spécifique sous l’objectif de l’artiste.  C’est à partir de 1985, date à laquelle son assistant Mike Yavel meurt et où la directrice artistique de Cacharel, Corinne Sarrut, quitte la société, que Sarah Moon oriente son regard au-delà de la mode. 

« Sarah Moon est à la fois une photographe de mode et de l’indémodable, la photographe d’un temps révolu et la photographe d’un avenir inquiétant », résume magnifiquement Dominique Edde dans le beau catalogue de l’exposition. 

La fin des vacances, 2017© Sarah Moon

Les accidents, elle aime les provoquer dans le traitement de ses photos. Avec son fidèle tireur, Patrick Toussaint, qui travaille avec elle depuis toujours, ils ont mis au point un processus de développement de l’image qui amplifie la relation au temps, le brouillage du passé et du présent. La pellicule (pellicula en italien veut dire petite peau) est périssable, dit l’artiste. Elle explique qu’en ne la fixant pas tout de suite, on voit ses déchirures, ses taches. Sarah Moon n’aime pas les images lisses. Elle « déréalise » comme elle l’explique dans un documentaire datant de 1994 : « Je ne témoigne de rien – j’invente une histoire que je ne raconte pas, j’imagine une situation qui n’existe pas – je crée un lieu ou j’en efface un autre, je déplace la lumière – je déréalise et puis j’essaie. Je guette ce que je n’ai pas prévu, j’attends de reconnaître ce que j’ai oublié – je défais ce que je construis – j’espère le hasard et je souhaite plus que tout être touchée en même temps que je vise.»

L’exposition nous présente aussi Sarah Moon cinéaste. Elle a toujours voulu faire des films. Le premier, réalisé en 1990, s’intitule Mississipi One. Il ne fait pas partie des cinq vidéos présentées dans le parcours : Circuss (2002), Le Fil rouge (2005), Le Petit Chaperon noir (2010), L’Effraie (2004), Où va le blanc…(2013), la plupart adaptées de contes populaires qu’elle apprécie particulièrement. « Chez elle -dans ses films en tous cas- nous dit Jean-Claude Carrière, le temps n’est jamais clair, le ciel n’est jamais bleu, mais les nuages d’orage ne sont jamais totalement obscurs. (…) Dans les films de Sarah Moon, il faudrait presque dire qu’il faut regarder ce que l’on ne voit pas. C’est un de ses secrets ».

Le pavot 1997 © Sarah Moon

Laissons le dernier mot à l’homme qui l’a connue mieux que personne, Robert Delpire, son soutien professionnel inconditionnel, son mari durant quarante-huit ans, disparu en 2017, à qui Sarah Moon dédit une salle dans le parcours des collections permanentes du Musée d’art Moderne : « …Il y aura toujours dans ses photographies une délicatesse qui n’est que elle. Il n’y aura ni mièvrerie, ni complaisance dans ce regard qu’elle pose sur les femmes. Et elle sera toujours éblouie qu’un oiseau vienne, du fond des mers et jusqu’à la fin des temps, regarder son oeil bleu et lui montrer ses plumes. »

Sarah Moon, PasséPrésent 

commissaire de l’exposition Fanny Schulmann

18 septembre 2020 – 10 janvier 2021

MUSÉE D’ART MODERNE DE PARIS `

11, Avenue du Président Wilson, 75116 Paris 
www.mam.paris.fr 

Claudine Nougaret, Dégager l’écoute

 

Claudine Nougaret , Film Paris, 1997 Raymond Depardon ©Magnum Photos

« Je fais du son pour une image mais il faut que l’image laisse du temps au son ». C’est ainsi que Claudine Nougaret présente son travail d’ingénieure du son, dont elle fut l’une des pionnières en France. La BnF lui consacre une exposition intitulée  Dégager l’écoute depuis le 14 janvier.

Claudine Nougaret et Raymond Depardon, Film Délits flagrants, Paris, 1994, Raymond Depardon ©Magnum Photos
Claudine Nougaret, Film Journal de France, 2012 ©Palmeraie et désert

Le nom de Claudine Nougaret est depuis plus de trente ans indissociable de celui de Raymond Depardon dont elle est devenue la partenaire, elle au son, lui à l’image. « J’ai la chance que Raymond soit un homme d’image qui écoute », se réjouit-elle.  Leur collaboration remonte à 1987, à l’occasion du film Urgences consacré à l’accueil des « personnes en souffrance psychiatriques » à hôpital de l’Hôtel-Dieu à Paris. Depuis, tous les films de Raymond Depardon sont le fruit de leur duo artistique, consolidé par la fonction de productrice occupée par Claudine Nougaret pour chaque tournage.

Claudine Nougaret, désert du Mali, 1986 Raymond Depardon ©Magnum Photos

Venue au son après des études de musicologie, Claudine Nougaret a compris que « les sons de la vie peuvent devenir une musique ». Cette révélation a guidé son envie de « restituer les sons de la vie » et de se spécialiser dans le son direct au cinéma. Sa première vraie expérience professionnelle s’est réalisée à l’âge de 24 ans sur le film d’Eric Rohmer Le rayon vert, alors que la profession était encore majoritairement masculine.

Claudine Nougaret,
Film La captive du désert, Niger, 1989 Raymond Depardon ©Magnum Photos

Chaque film documentaire de Raymond Depardon et Claudine Nougaret est une plongée, que ce soit dans les profondeurs du monde rural (Profils paysans, La vie moderne), à la rencontre du quotidien des Français (Les Habitants), aux coeurs d’institutions rarement montrées de l’intérieur tels tribunaux, hôpitaux, établissements psychiatriques ou commissariats (on pense à Délits flagrants, 10ème chambre, instants d’audience ou 12 jours) mais aussi sur le continent africain (Afriques, comment çà va avec la douleur, Empty qarter, La Captive du désert) ou à travers le monde (Donner la parole). Ils se sont, entre autre, attachés à composer un portrait visuel de la France à travers « le récit des personnages filmés  comme un texte sacré ». 

Claudine Nougaret et Sandrine Bonnaire, Film La captive du désert, Niger, 1989 Raymond Depardon ©Magnum Photos

Au delà de l’image, le son, les langues, la parole, la voix sont les matières constitutives de leurs films qui ont déterminé l’exposition de la BnF, née de la rencontre de Claudine Nougaret avec Gabriel Bergounioux, sociolinguiste, directeur du Laboratoire Ligérien de Linguistique (LLL). La bande son du film Les Habitants est devenue pour ce chercheur une formidable source pour étudier le français parlé.  

Matériel de tournage de Claudine Nougaret et Raymond Depardon. Utilisé pour le film Urgences année 1987 Raymond Depardon ©Magnum Photos

Comment faire une exposition sur le son ? Sans doute rien de plus difficile au risque d’être trop technique (ce volet d’analyse scientifique de la parole est toutefois présenté). L’exposition propose d’une part un film spécialement réalisé pour l’occasion par Raymond Depardon et Claudine Nougaret qui nous permet de comprendre leur travail de l’intérieur, l’extraordinaire intrication de l’image et du son dans leur oeuvre et nous découvrons d’autre part du matériel de tournage, de nombreuses photos et des affiches qui retracent leur parcours commun. 

Claudine Nougaret, Paris,1987 Raymond Depardon©Magnum Photos

Nous revisitons ainsi l’histoire de leur aventure magnifique, l’histoire d’un couple de travail et d’un couple dans la vie, d’une histoire d’amour, d’un engagement absolu. Le grand mérite de Dégager l’écoute est justement de dégager le nom de Claudine Nougaret, jusque là recouvert pour le public par celui du grand photographe et réalisateur qu’est Raymond Depardon. 

Le couple a fait don à la BnF de leurs archives filmiques et sonores, laissant ainsi « une trace de la façon de parler de 1975 à nos jours (…). Toute une mémoire française » précise Claudine Nougaret.

Claudine Nougaret, dégager l’écoute. Le son dans le cinéma de Raymond Depardon.

Jusqu’au 15 mars 2020, BnF François Mitterrand/Galerie des donateurs.

www.bnf.fr

Moderne Maharajah, un mécène des années 1930

Man Ray Le maharajah d’Indore en tenue de soirée
vers 1927-1930
© Man Ray 2015 Trust / Adagp, Paris, 2019
Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Guy Carrard*

« Il était une fois un petit prince indien qui rêvait de se faire construire un beau palais dans son pays… ». C’est ainsi que la très belle exposition du Musée des Arts Décoratifs « Moderne Maharajah, un mécène des années 30 » pourrait commencer. Mais elle ne nous invite pas à un conte de fées. Elle nous raconte une histoire vraie, celle de Yeshwant Rao Holkar II (1908-1961), plus connu comme le Maharajah d’Indore, dernier représentant de la prestigieuse dynastie marathe des Holkar, qui a rendu possible la rencontre de deux mondes, celui des avant-gardes européennes avec celui d’une grande dynastie indienne. 

Man Ray —
La maharani d’Indore
en tenue de soirée
vers 1927-1930
© Man Ray 2015 Trust / Adagp, Paris, 2019
Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Guy Carrard*

Marié à l’âge de 16 ans avec la Maharani Sanyogita Devi (elle avait 11 ans !), le Maharajah est envoyé au Christ Church College d’Oxford. Encore mineur, il est placé sous la responsabilité de son précepteur francophone, le Dr Marcel Hardy, avec qui, accompagnée de son épouse, il va découvrir le monde culturel européen. Ainsi le jeune couple voyage d’Angleterre vers la France et l’Allemagne et s’imprègne des courants artistiques et intellectuels en fréquentant les salons, les expositions et les ateliers d’artistes. 

Bernard Boutet
de Monvel —
S.A. le maharajah d’Indore (habit du soir) 1929
© Collection Al Thani 2019 / Adagp, Paris, 2019 Photo by Prudence Cuming*

Dans le tourbillon de leur vie mondaine en Europe, le Maharajah et la Maharani forment rapidement leurs goûts. Le marchand d’art et collectionneur Henri-Pierre Roché, futur auteur des romans Les Deux anglaises et le continent et Jules et Jim, portés à l’écran par François Truffaut, joue un rôle déterminant. Il est responsable de la rencontre du prince avec le peintre moderniste Bernard Boutet de Monvel qui réalise son portrait en habit occidental (1929), puis plus tard un autre portrait en costume d’apparat (1933).

Bernard Boutet de Monvel —
S. A. le maharajah d’Indore (costume traditionnel)
1933 -1934
© Collection Al Thani 2019 / Adagp, Paris, 2019 Photo by Prudence Cuming

C’est grâce à Roché encore que le couple sera immortalisé par le photographe surréaliste Man Ray dont nous découvrons une formidable série de photos offrant au Maharajah et à son épouse, lui aux cheveux gominés, elle habillée par les plus grands couturiers parisiens, une image résolument moderne et libre.

Man Ray
Le maharajah
et sa femme
vers 1927
© Man Ray 2015 Trust / Adagp, Paris, 2019
Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Guy Carrard*

C’est lui toujours qui les conduit en octobre 1929 jusqu’au studio du couturier Jacques Doucet dont la collection d’art et de mobilier va fasciner le jeune prince au point d’influencer la grande décision de sa vie : faire construire un palais dans son Inde natale qui alliera luxe, confort et modernité. Il en confie la réalisation à un jeune architecte de son âge, imprégné des idées du Bauhaus, Eckart Muthesius (1904-1989), rencontré à Oxford. Le Palais Manik Bagh, érigé en trois ans (1930-1933) dans l’un des plus riches état indien, le Madhya Pradesh, sera l’une des constructions modernistes les plus abouties de l’Inde des années 30, utilisant des matériaux encore tout à fait inédits à l’époque pour les décors et le mobilier tels le métal, le cuir synthétique ou le verre.

Eckart Muthesius — Vue extérieure du palais Manik Bagh retouchée vers 1933
© Collection
Vera Muthesius / Adagp, Paris, 2019*

Avec une précision qui se vérifie jusqu’aux petites cuillers, le couple passe commande à une vingtaine de créateurs d’avant-garde, la plupart français, pour l’aménagement, le mobilier et la vaisselle du Palais.

Eckart Muthesius — Chambre de la maharani vers 1933
© Collection Vera Muthesius / Adagp, Paris, 2019

L’exposition nous propose une reconstitution de quelques espaces : le cabinet de travail, les chambres à coucher et la bibliothèque. On peut ainsi admirer quelques pièces maîtresses : le Transat d’Eileen Gray dans une version plus brillante que l’original, la célèbre chaise longue basculante de Le Corbusier, Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret, version peau de léopard, la chaise longue en tubes d’acier de René Herbst, une paire de fauteuils en cuir rouge munies de lampes intégrées signées Eckart Muthesius, le cabinet de travail aménagé par Jacques-Emile Ruhlmann ou encore les chambres à coucher respectives du couple réalisées par le duo Charlotte Alix et Louis Sognot, conçus entre 1928 et 1935, dans des tons bleu-vert pour Madame, en rouge, ocre et noir pour Monsieur.

Eckart Muthesius — Paire de fauteuils à éclairage intégré
1931
© Adagp, Paris, 2019 Photo © Écl’art – Galerie Doria, Paris*

Eblouissants ! Comme le sont aussi les couverts, la verrerie et autres vaisselles dessinés par l’orfèvre Jean Puiforcat ou le tapis signé par le peintre Ivan Da Silva Bruhns. Le prince mérite ainsi d’être élevé au rang de grand mécène du design moderne, comme le furent d’une autre manière, dans les mêmes années, Charles et Marie-Laure de Noailles.

Jean Puiforcat — Vase modèle 8461 conique
vers 1930
© Paris, Patrimoine Puiforcat

Ce Palais raconte également une belle histoire d’amour. Le Maharajah avait commandé au sculpteur Constantin Brancusi, rencontré lui aussi par l’intermédiaire de Pierre Roché, la construction d’un Temple de l’amour. Mais la mort aussi soudaine que prématurée de la Maharani, à l’âge de 23 ans, va interrompre ce projet. Seuls trois Oiseau dans l’espace achetés au sculpteur ont survécu au couple mythique. 

Man Ray, Le maharajah et la maharani d’Indore, vers 1927-1930 © Man Ray 2015 Trust / Adagp, Paris, 2019 Photo : Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Guy Carrard

Yves St Laurent et Pierre Bergé ne s’étaient pas trompés en achetant nombre de leurs pièces lors de la vente aux enchères du contenu du Palais en 1980. C’est grâce à ces acquisitions qu’Olivier Gabet, directeur du MAD et commissaire général de l’exposition, avec Raphaëlle Billé et Louise Curtis, va découvrir plus tard le Maharajah : « J’ai découvert cette figure fascinante en 2009, lors de la vente de la collection d’Yves Saint Laurent et Pierre Bergé, car ces esthètes avaient acheté les plus belles pièces du maharajah.»

Le Corbusier, Charlotte Perriand
et Pierre Jeanneret — Chaise longue basculante modèle B 306, édition Thonet
vers 1931
© Adagp, Paris, 2019
© F.L.C. / Adagp, Paris, 2019
Photo © Sotheby’s / Art Digital Studio*

Courrez découvrir ce prince indien visionnaire à la vie romanesque, commanditaire de beautés du design des années 30 pour notre plus grand plaisir !

Moderne Maharajah, un mécène des années 1930, Musée des arts décoratifs, 107, rue de Rivoli, Paris 1er. Jusqu’au 12 janvier 2020.

Charlotte Perriand, la sublime beauté de la vie

 

Le monde de Charlotte Perriand

« Il faut avoir l’œil en éventail. On n’invente rien, on découvre ». Ces mots de Charlotte Perriand raisonnent comme  les mots d’ordre de sa vie. Elle n’a jamais cessé de regarder pour mieux découvrir et, quoiqu’elle en dise, pour inventer. 

Connaissez vous Charlotte Perriand ? Aviez-vous déjà entendu parler d’elle avant la formidable campagne de communication orchestrée autour de l’exposition de son œuvre à la Fondation Louis Vuitton, couvertures de magazines, colonnes Morris entièrement dédiées, émissions de radio, de télévision ? Rassurez vous. Si vous ne la connaissez pas encore, c’est une grande chance. Vous allez découvrir une pionnière, une femme libre, une femme contemporaine, une visionnaire.

Le Corbusier,Charlotte Perriand, 1928.
Photographie Pierre Jeanneret (extrait)
Source : Archives Charlotte Perriand
©ADAGP-AChP 2006.

Née en 1903 à Paris, dans les tissus utilisés par sa mère couturière et son père tailleur, elle s’émancipe rapidement des conventions de son époque et de son milieu. Formée à l’école de l’Union des arts décoratifs, elle expose à 24 ans, au Salon d’automne 1927, un projet d’aménagement pour un révolutionnaire « Bar sous le toit ». Elle choisit d’inventer, non pas un salon bourgeois, mais un espace tel qu’elle aimerait le partager avec ses copains pour boire un verre. La conception est d’autant plus novatrice qu’elle utilise des matériaux, l’aluminium et l’acier, réservés traditionnellement à l’industrie, en particulier aux automobiles qui la fascine.

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Protégée par son fameux collier fait de roulements à billes chromées au cou, elle cherche du travail. Avant l’exposition de son « Bar sous le toit », elle sollicite Le Corbusier qui la reçoit de manière glaciale : « Ici on ne brode pas de coussins » la prévient-elle, comme si une jeune fille ne pouvait avoir d’autres compétences que celles requises pour les travaux d’aiguilles… Ce mauvais début n’empêche pas Corbu d’évaluer rapidement le talent de la jeune Charlotte lorsqu’il découvre ses réalisations : il lui propose d’intégrer l’agence. Il a besoin d’elle et elle a trouvé un maître. Avec Pierre Jeanneret, cousin de Le Corbusier -et pour quelques temps son compagnon-,  Charlotte conçoit tout un programme de mobilier dont deux sièges, devenus depuis iconiques  : le fauteuil grand confort, et la chaise longue à bascule.

Charlotte Perriand sur la chaise longue basculante 1928-1929 Le Corbusier-Pierre Jeanneret-Charlotte Perriand–adagp-paris-2019-adagp-paris-2

Le Corbusier signera longtemps uniquement en son nom la réalisation de cette chaise…Le nom de Charlotte est effacé, comme si le nom d’une femme ne pouvait exister seul. Il faut attendre 1985 pour le voir réapparaitre, la chaise longue et le fauteuil étant désormais signés collectivement, par ordre alphabétique, « Le Corbusier, Jeanneret, Perriand ». Son nom s’inscrit tout de même en dernier !

Le Corbusier-Pierre Jeanneret-Charlotte Perriand fauteuil grand confort grand modele1928, adagp-paris-2019-adagp-paris-2019-achp

Au fil des quatre niveaux de la Fondation, se dessine le portrait de celle qui affirme que « l’art est dans tout : un geste, un vase, une assiette, un verre, une sculpture, un bijou, une manière d’être ». Sa manière d’être devient chez elle un art de vivre qu’elle transmet à travers chacune de ses réalisations.

Charlotte Perrian, grès de la carrière de Bourron, Foret de Fontainebleau vers 1935,adagp-paris-2019-achp

« Il est nécessaire d’attendre une vingtaine d’années après la mort d’un créateur pour voir la place qu’il occupe dans l’histoire  de l’art », avait prédit un ami de la fille de Charlotte, Pernette Perriand à la mort de sa mère. Charlotte est devenue « une poussière d’étoile » le 27 octobre 1999, il y a tout juste vingt ans. A la lumière de la magnifique exposition que lui consacre la Fondation Louis Vuitton « Le monde nouveau de Charlotte Perriand » et de plusieurs ouvrages, le public peut enfin prendre la mesure de sa contribution en matière de design et d’architecture et plus largement encore dans le domaine artistique. « Architecte, urbaniste, désigner, photographe, directrice artistique, scénographe, propagandiste de l’art pour tous…je ne me définis pas, ce serait une limitation, » a t elle déclarée.

visiteurs devant « La grande misère de Paris » de Charlotte Perriand, Fondation Louis-Vuitton-adagp-paris-2019

Femme engagée dans les années trente, elle rejoint dès 1929 l’Union des Artistes modernes (l’UAM) qui réclame « un art moderne véritablement social ». En 1932, elle devient membre de l’AEAR, l’association des artistes et écrivains révolutionnaires, aux côtés d’Aragon, Romain Rolland, André Lurçat et tant d’autres. Elle réalise dans ce cadre un photomontage monumental « La grande misère de Paris». Elle y exprime sa révolte devant les ilots insalubres, les « vies sans soleil » des gamins des rues qu’elle photographie, mais aussi devant des programmes de constructions d’immeubles qu’elle juge « hideux » sans cette « ceinture de verdure » dont le projet vient d’être abandonné. 

Léger Fernand (1881-1955). Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. AM3026P.

Le photomontage est présenté dans l’exposition en regard d’œuvres de Fernand Léger son voisin, son ami. Avec lui, elle aime se ressourcer dans la nature, trouver des silex, des pierres, des branches d’arbre qu’elle transforme en œuvres d’art. Les tableaux de Léger accompagnent l’œuvre de Perriand tout au long de l’exposition, partageant les murs de la Fondation avec des oeuvres signées Le Corbusier, Hans Hartung, Miró, Braque, Soulages, Henri Laurens, Calder, Picasso. Heureux compagnonnage.

Charlotte-Perriand, Perspective du bar et de la salle à manger de la place Saint Sulpice, 1927 -adagp-paris-2019-achp

En créant, en 1928, une salle à manger dans des matériaux révolutionnaires, intégrant une cuisine ouverte qui permet à la maîtresse de maison de continuer la conversation avec ses invités, une table extensible et des sièges pivotants, on comprend que Charlotte Perriand vient de jeter les bases d’une certaine idée de la vie moderne dans laquelle le statut de la femme se transforme progressivement. 

Charlotte- Perriand bibliotheque de Maison de la Tunisie-1952-Paris Centre-Pompidou-musee-national-dart-moderne-centre-de-creation-industrielle-adagp-paris-201

Elle « invente » des rangements -placards, casiers, étagères-, qui participent d’une « révolution dans l’art d’habiter », tout comme ses chaises empilables qui font gagner de l’espace. La conception des petits espaces est l’une de ses grandes réussites, mettant à profit son goût pour les refuges de montagne dont elle aime les aménagements minimalistes. Son «refuge Tonneau » en est une belle matérialisation dès 1938. Témoin aussi « La maison du bord de l’eau » projet conçu en 1936, réalisé spécialement pour cette exposition : tout est là, tout est pensé pour dormir, faire sa toilette, cuisiner, manger, se reposer dans une chaise longue en admirant la nature. L’espace est fonctionnel, les matériaux sont beaux, bruts : une sérénité nous envahit.

charlotte-perriand Présentation Tokyo 1941-adagp-paris-2019-francis-haar-achp

Charlotte est aussi une grande voyageuse. Sollicitée dès 1940 par son ex-collègue de l’atelier Le Corbusier, Junzo Sakakura, elle embarque en pleine guerre pour le Japon où elle est attendue en qualité de conseillère en art industriel pour le gouvernement japonais. Ce séjour aiguise un peu plus le regard qu’elle pose, encore et toujours, sur l’espace. Comme l’écrit Laure Adler dans le beau livre qu’elle lui consacre chez Gallimard : « Eblouie par la beauté des visages, des paysages, de l’habitat, fascinée par le savoir-faire traditionnel, par les coutumes, les danses rituelles, le lien indestructible entre le religieux, l’humain et la nature (…), plus attentive au vide qu’au plein, au peu qu’au trop, l’harmonie entre l’architecture et la vie, elle tombe très vite amoureuse de l’âme japonaise ». Charlotte découvre d’autres matériaux, dont le bambou, qu’elle utilise pour ses meubles. Une version bambou de sa chaise longue à bascule est l’une des superbes pièces de l’exposition. 

‘Light Stand with Akari 30P by Isamu Noguchi’ by Charlotte Perriand, circa 1963 (iron stand, paper, and bamboo shades)

On admire également les lampes en papier qu’elle réalisera avec le grand artiste américano- japonais Isamu Noguchi dans les années 50 et 60. Un must. On aime aussi sa Chaise ombre dont elle a eu l’idée en assistant à un spectacle de Kabuki où les manipulateurs de marionnettes se fondent dans l’ombre avec leurs masques noirs. 

Exposition synthèse des-arts Tokyo-1955-rec-2.jpeg

Avec son mari Jacques Martin, rencontré en Indochine, à Hanoï en 1942, alors qu’il est responsable des Affaires économiques en Indochine, elle découvre le Brésil après la naissance de leur fille. Elle vivra et travaillera à Rio, infatigable, demeurant toujours fidèle à ses principes : concevoir des formes utiles, intégrant les technologies d’avant-garde ainsi que les savoir-faire de différentes cultures. « Proposition d’une synthèse des arts », sa grande exposition à Tokyo en 1955, apparaît (…) comme le condensé de ses engagements. Le design s’y intègre à la peinture, à la céramique, aux tapisseries et tapis, dans un environnement total et une complémentarité désormais clairement affirmée, souligne Suzanne Pagé, directrice artistique de la Fondation Louis Vuitton. 

Charlotte Perriand Guy Rey Millet Les Arcs 1968-1969-adagp-paris-2019-charlotte-perriand-achp

Charlotte a régulièrement besoin de l’altitude et de la montagne pour se ressourcer. « Elle aime et apprécie la rusticité, la simplicité, et éprouve son corps à la fatigue des grandes marches l’été, où elle dort dans des refuges », rappelle Laure Adler. Elle va consacrer vingt ans de sa vie (de 1967 à 1989), à la conception de la station de ski des Arcs en Savoie pour laquelle elle allie l’intégration des immeubles dans la pente de la montagne, le confort des occupants des lieux tout en privilégiant leurs regards sur les sommets.

CHARLOTTE PERRIAND SUR UNE PLAGE A DIEPPE PHOTOGRAPHIEE PAR PIERRE JEANNERET, VERS 1934

« J’ai toujours cultivé le bonheur, c’est comme çà que je m’en suis sortie », a confié Charlotte au seuil de sa vie. « Travailler pour consommer, un cycle infernal où la sublime beauté de la vie n’est pas prise en compte ». Par ces deux phrases, Charlotte nous révèle une philosophie de l’existence qu’elle nous transmet à travers ses meubles, sa conception des espaces, sa prise en compte de la nature. Sa dernière réalisation, en 1993, la Maison de thé, en est le point d’orgue.

Charlotte Perriand, la Maison de thé, 1993
Le monde nouveau de Charlotte Perriand 

Du 2 octobre 2019 au 24 février 2020 à la Fondation Louis Vuitton

Commissaires :  Jacques Barsac, Sébastien Cherruet, Gladys Fabre, Sébastien Gokalp et Pernette Perriand-Barsac assistés de Roger Herrera (Fondation Louis Vuitton) 

Architecte scénographe : Jean-François Bodin 

informations et réservations : www.fondationlouisvuitton.fr 
PUBLICATIONS 

Charlotte Perriand | L’œuvre complète – Tome 4   Jacques Barsac, Editions Norma, Préface de Michelle Perrot,, 528 pages - 800 illustrations, 95 euros 

Charlotte Perriand au Japon, roman graphique de Charles Berberian, ARTE Editions / Le Chêne, 128 pages, 19,90 € 

Charlotte Perriand, Laure Adler, Editions Gallimard, 272 pages, 200 illustrations, 29,90 € 

Catalogue de l’exposition,400 p., 300 illustrations, 49€, sous la direction Sébastien Cherruet et Jacques Barsac avec la participation de Pernette Perriand-Barsac
et la coordination de Martine Dancer-Mourès 


AUDIOVISUEL 

Charlotte Perriand, pionnière de l’art de vivre, documentaire de Stéphane Ghez (France, 2019, 52mn) Coproduction : ARTE France, Cinétévé, Fondation Louis Vuitton 

ADOLFO KAMINSKY, FAUSSAIRE ET PHOTOGRAPHE

L’automne 2019 propose un programme d’expositions très alléchant dont je propose une première sélection : Bacon, Centre Pompidou, 11 septembre, Du Douanier Rousseau à Seraphine, Maillol, 11 septembre, Mondrian, Marmottan, 12 septembre, Degas à l’Opéra, Orsay, 24 septembre, Moderne Maharadjah, un mécène des années 30, MAD 26 septembre, Charlotte Perriand, Fondation LVMH, 2 octobre, Chaplin, Philarmonie, 11 octobre, Félix Feneon, Orangerie, 16 octobre, Hans Hartung, Mamvdp, 11 octobre, Toulouse Lautrec, Grand Palais, 9 octobre, Jules Adler, mahJ, 17 octobre, Greco, Grand Palais, 16 octobre, Boltanski, Pompidou, 13 novembre, Helena Rubinstein, 19 novembre, Branly, Huysmans, Orsay, 3 décembre. 

En attendant de découvrir ces ambitieuses propositions, attachons nous à une exposition modeste par sa taille et, en apparence, par son sujet puisqu’elle est consacrée à une personnalité peu connue du public.

Autoportrait, 1947 © Adolfo Kaminsky

Adolfo Kaminsky, Faussaire et photographe est l’occasion d’aller à la rencontre d’un homme discret malgré l’extraordinaire parcours qui est le sien, « artisan de génie au service de la survie et de la liberté », selon Elisabeth de Fontenay qui le présente dans un texte magnifique publié dans l’ouvrage Adolfo Kaminsky, Changer la donne (éditions Cent Mille Milliards, 2019).

L’exposition nous fait découvrir un mensch, terme qui signifie selon différentes sources, « un type bien », une personne fiable, qui sait assumer ses responsabilités, sur qui on peut compter, une personne d’intégrité et d’honneur, qui fait le bien autour de soi. 

Femme seule qui attend Paris, 1946 © Adolfo Kaminsky

Qui est cet homme à double facette : celle d’un photographe dont l’oeuvre  reste à découvrir et celle d’un faussaire, dont, par définition, le travail devait côtoyer le plus grand secret ?

Adolfo Kaminsky est né à Buenos Aires en 1925 dans une famille juive originaire de Russie, installée en France en 1932, non sans allers-retours, « Russie, Paris, Argentine, Turquie, puis de nouveau Paris… Ses parents avaient émigré une première fois, par nécessité, à cause de persécutions politiques et racistes du régime tsariste, mais aussi dans l’espérance de ces juifs de l’Est qui se racontaient les uns aux autres qu’ils seraient « heureux comme Dieu en France ». (E. de Fontenay). A l’âge de quinze ans, Adolfo travaille comme apprenti-teinturier et apprend les rudiments de la chimie. Il est alors destiné à une profession scientifique mais les événements vont en décider autrement. Interné à Drancy en 1943 avec sa famille, il peut quitter le camp grâce à sa nationalité argentine.

Autoportrait-à-lâge-de-19-ans-Paris-1944-©-Adolfo-Kaminsky

Engagé dans la Résistance à dix-sept ans, ses compétences de chimiste font de lui un expert dans la réalisation de faux papiers.  Il travaille successivement pour la résistance juive – les Éclaireurs israélites, la 6e (organisation clandestine des EIF) et l’Organisation juive de combat –, avant de collaborer avec les services secrets de l’armée française jusqu’en 1945. « Sauvegarder des vies en dé-nommant et en renommant des vivants destinés à l’Extermination, en changeant leurs lieux et dates de naissance, leurs endroits de résidence, leurs appartenances nationales et religieuses, les rendre provisoirement invulnérables, telle fut la tâche dont il décida un jour de se charger. Il donnait à chacune des victimes de l’antisémitisme d’État le mot de passe, le nom « bien de chez nous » qui lui permettrait d’appartenir encore un peu à la société de ceux et de celles qui ont un avenir devant eux. » (E. de Fontenay)

Aldolfo Kaminsky en 2019 Photo Christophe Fouin

Kaminsky est devenu faussaire par nécessité. C’est ce qu’il explique dans un documentaire salutaire, « The Forger » (« Le Faussaire ») de Samantha Stark, Alexandra Garcia, Pamela Druckerman et Manual Cinema Studios, présenté dans l’exposition. Son physique de vieux sage avec sa barbe blanche et sa voix douce amplifient l’émotion qui nous saisit à l’écouter. De chaque document dépendait la vie d’un être humain, nous explique-t-il.

Faux passeports Photo Christophe Fouin

Cette nécessité s’est imposée à lui à nouveau après la guerre. Pour la Haganah puis pour le groupe Stern, opposé au mandat britannique, « il a confectionné un grand nombre de faux visas pour des juifs rescapés de l’Extermination qui ne voulaient pas retourner dans leurs pays d’origine mais étaient décidés à émigrer en Palestine, sous mandat britannique » (E. de Fontenay). En 1948, après la création de l’Etat d’Israël, il décide de rester à Paris, contrairement à nombre de ses amis qui partent pour La Terre dite promise. Il réalise des tirages photographiques pour le cinéma et se spécialise dans la reproduction d’oeuvres d’art (activité qui lui servira de couverture). Il commence alors la pratique de la photographie.

Tampons fabriqués par Aldolfo Kaminsky avec tampon dateur Photo Christophe Fouin

Et son engagement ne s’arrête pas à la cause des juifs. Connu sous le surnom du « technicien », dans les années 1950 et 1960, il est le faussaire des réseaux de soutien aux indépendantistes algériens, aux révolutionnaires d’Amérique du Sud, et aux mouvements de libération du Tiers Monde, ainsi qu’aux opposants aux dictatures d’Espagne, du Portugal et de Grèce. Il fabriquera également des faux papiers pour les déserteurs américains qui ne veulent pas faire la guerre du Viêt-Nam. 

Autant de combats auxquels il a apporté son soutien au péril de sa vie et au prix de nombreux sacrifices. En 1968, il avait procuré de faux papiers à Daniel Cohn-Bendit, réfugié en Allemagne, afin de lui permettre de prendre la parole à un meeting à Paris, où il est interdit de séjour. « C’était certainement le faux le plus médiatique et le moins utile que j’aie réalisé de toute ma vie », raconte-il avec ironie. 

Resté fidèle à ses conceptions humanistes, il refusera toute collaboration avec les groupes violents qui émergent en Europe dans les années 1970. Il cesse son activité de faussaire à cette époque, part s’installer en Algérie où il rencontre sa femme Leïla avec qui il aura trois enfants.  Cette heureuse vie familiale, écoulée en France à partir de 1982, n’a jamais effacé pour lui les secousses de l’Histoire : « Il y a eu trop de cadavres », déplore-t-il.

Le libraire Paris, 1948 © Adolfo Kaminsky

L’exposition du mahJ fait la part belle à son oeuvre photographique, réalisée après la Seconde Guerre mondiale, alors qu’il parcourt Paris avec son Rolleiflex. Kaminsky, dont l’oeil et le travail du noir et blanc ne sont pas sans rappeler la photographie humaniste des Ronis, Doisneau et bien d’autres, aime capter des regards, des ambiances, la nuit, des lieux insolites, la rue, le monde du travail…Plus tard, il photographiera Marseille ou encore la région d’Adrar, dans le grand Sud algérien. 

Port de Marseille 1953 © Adolfo Kaminsky

Laissons Elisabeth de Fontenay conclure le portrait d’Adolfo Kaminsky esquissé par cette exposition : « un homme, fidèle à lui-même, qui a travaillé dans l’ombre de laboratoires clandestins et dans la lumière captée par le Rolleiflex ».

Adolfo Kaminsky, Faussaire et photographe

Musée d’art et d’histoire du Judaïsme jusqu’au 8 décembre 2019 

plus d’infos sur mahj.org

LES VIES DE DORA MAAR

Rogi André
Dora Maar vers 1937
Collection Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne
Centre de création industrielle © DR

La plus grande rétrospective consacrée à Dora Maar vient d’ouvrir au centre Pompidou. C’est aussi la première exposition organisée dans un musée national, l’occasion unique de rassembler une œuvre dispersée dans plusieurs collections publiques et privées en France et à l’étranger. Elle sera présentée ensuite (2019-2020) au J. Paul Getty Museum de Los Angeles à la Tate Modern à Londres, institutions avec lesquelles l’exposition parisienne est conçue. 

Autoportrait au ventilateur
Paris, début des années 1930
© Adagp, Paris 2019
Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI / Dist. RMN-GP

Le nom de Dora Maar (1907-1997) est encore aujourd’hui intimement lié à celui de Picasso, voire recouvert par lui. L’histoire a retenu qu’elle fut sa muse, son modèle, sa compagne, sans doute « la plus intelligente », entre 1936 et 1943. Elle a été beaucoup représentée par Picasso et c’est son portrait le plus célèbre « La Femme qui pleure », qui a sans doute réduit notre perception de la formidable photographe et peintre que fut Dora. Hormis un cercle de spécialistes soit du surréalisme, soit de Picasso, on ne sait finalement pas grand chose des multiples facettes de cette « grande dame », comme la désigne l’une de ses biographes, Victoria Combalia dans son ouvrage « Dora Maar, la femme invisible » (éditions invenit, 2019). Cette exposition a un grand mérite : celui de nous montrer combien Dora Maar a existé avant sa rencontre avec Picasso et de nous renseigner sur sa vie après avoir été abandonnée par le maître catalan.


Sans titre [Mannequin assise de profil en robe et veste de soirée] vers 1932 – 1935
Collection Centre Pompidou, Paris Musée national d’art moderne Centre de création industrielle
© Adagp, Paris 2019
Photo © Centre Pompidou
Née à Paris le 22 novembre 1907, Henriette Théodora Markovitch reçoit, enfant, le surnom de Dora, diminutif de son deuxième prénom. Son père, croate et sa mère française sont catholiques tous les deux. Architecte, Joseph Markowitch fait fortune en Argentine où Dora passe une partie de son enfance. Formée à la photographie à Paris, elle ouvre un studio en 1932, en association avec le décorateur de cinéma Pierre Kéfer. Leurs photos signées « Kéfer-Dora Maar » sont spécialisées dans le portrait, la mode et la publicité.

Mannequin-étoile, 1936
Collection Thérond
© Adagp, Paris, 2019
Photo © Centre Pompidou,
MNAM-CCI / A. Laurans / Dist. RMN-GP

Le parcours de l’exposition nous plonge très vite au milieu de photos de mode et de publicité particulièrement réussie où l’on perçoit rapidement la singularité et la force du regard de Dora. On remarque combien l’influence du surréalisme teinte déjà son travail de commande publicitaire et propose ainsi des images à la croisée de plusieurs genres : les mises en scène de nus érotiques pour des « revues de charme » telles que Séduction succèdent aux images de mannequins aux cheveux courts dans les revues spécialisées comme La Coiffure de Paris, et les photographies publicitaires pour l’huile bronzante Ambre Solaire côtoient les visions surréalistes utilisées comme illustrations d’articles dans Le Figaro illustré et Navires.

Le modèle Assia Granatouroff très prisée dans les années 30 par des peintres, sculpteurs et photographes a inspiré à Dora des photos magnifiques où Assia « incarne l’expression d’une sensualité féminine, dédoublée, épouvantée par son ombre ou divers accessoires ».

Assia, 1934
Ancienne collection Christian Bouqueret, Collection Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne
Centre de création industrielle
© Adagp, Paris 2019

Ces années où Dora produit ces images, souvent de commande, où esthétique et sensualités sont mêlées, coïncident avec une autre face de son travail, celle de ses années d’engagement. Elle est entrée dans les cercles intellectuels et artistiques des années 30, où l’engagement social est très partagé. Elle intègre le groupe radical Contre Attaque et, en accord à cette vision du monde, elle capte ses « photos de rue », prises en particulier à Londres et à Barcelone, où la force des situations et des visages offrent une vision très humaine de la souffrance et de la pauvreté, non sans évoquer les regards des Cartier Bresson, Willy Ronis ou Robert Doisneau dans les mêmes années. 

Barcelone
Collection particulière
© Adagp, Paris 2019 Photo © Fotogasull

Grâce, en particulier à son amant Louis Chavance, passionné de cinéma, futur scénariste et monteur (également écrivain), elle se rapproche du Groupe Octobre dont elle photographie beaucoup de ses membres, en particulier Jacques Prévert qui la fait engager comme photographe de plateau sur Le Crime de Monsieur Lange, réalisé par Marcel Carné.  Elle rencontre à cette période Michel Leiris et Paul Eluard qui deviendront ses amis, tout comme les belles Jacqueline Lamba et Nush Eluard qu’elle va beaucoup photographier. Elle comptera parmi les conquête de Georges Bataille et se liera ces mêmes années avec le groupe des Surréalistes dans lequel elle sera l’une des rares femmes à se mêler aux réunions et à être intégrer dans les expositions. Le Portrait d’Ubu et ses photomontages présentés à Beaubourg impressionnent.

Sans titre, 1935
Ancienne collectionChristian Bouqueret
Collection Centre Pompidou, Paris
Musée national d’art moderne
Centre de création industrielle
© Adagp, Paris 2019

Elle rencontre Pablo Picasso durant l’hiver 1935-1936. Pour Dora, c’est le début d’une passion extrême, l’Histoire d’amour de sa vie. L’adoration qu’elle va nourrir pour le peintre va la pousser à se placer en situation de dépendance complète et de soumission totale comme le remarque Victoria Combalia. Elle a du reste penser que seul Dieu pourrait lui succéder. Elle devient la « maitresse officielle », la « co-vedette d’une légender artistique vivante ».  Car cette histoire d’amour devient aussi un échange intellectuel et artistique. Elle fascine Picasso tout comme elle est fascinée par le peintre. Plus radicale que lui dans ses engagements au moment de leur rencontre, elle l’influence dans sa politisation croissante à partir de 1936.  Durant le processus de création de Guernica, elle photographie Picasso au travail, laissant ainsi un document majeur dans l’histoire de l’art.  Pendant leur liaison qui va durer près de huit ans, Picasso va multiplier les représentations de Dora : d’abord sa beauté puis il peindra son être torturé par ses démons intérieurs. Elle prendra les traits d’un chien, d’une hystérique, d’une perturbée mentale…. Car Dora exprime des fragilités, dès les années de sa relation avec Picasso où il lui faut accepter de « partager » son amour avec, entre autre, Marie-Thérèse. Elle se lie à Jacques Lacan avec qui elle entreprendra une longue analyse et qui lui prescrira quelques séjours en clinique où elle a probablement subi des électrochocs, très appréciés à cette époque. Picasso lui conseille d’abandonner la photographie au profit de la peinture. Contrairement à son amie Jacqueline Lamba qui quitte André Breton pour continuer à exister comme artiste, Dora accepte la domination de son maître. Elle peindra désormais et ne sera plus photographe.

 


Dora Maar
Pablo Picasso 1936
Collection particulière, Yann Panier, Courtesy Galerie Brame et Lorenceau
© Adagp, Paris 2019
Photo © The Museum of Fine Arts, Houston
Pablo Picasso
Portrait de Dora Maar, de profil, 6e état 1936-1937
Musée national Picasso-Paris
© Succession Picasso 2019
Photo © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / Thierry Le Mage

Lorsque Picasso « remplace » Dora par Françoise Gillot en 1946, la vie de Dora va progressivement mais radicalement changer. Les gens se détournent d’elle, sauf Eluard qui lui restera fidèle et certains amis qu’elle continue à fréquenter pendant les années 50 comme Marie-Laure de Noailles, Lise Deharme ou Georges Hugnet. Elle se fait de nouveaux amis : James Lord, Bernard Minoret, Théo Léger…Mais petit à petit, sa personnalité au caractère capricieux, extravagant voire orageux se transforme en être asocial, solitaire, isolé, difficile.  Elle choisit une vie de recluse. Elle devient mystique, s’enferme dans la religion et se concentre sur sa peinture. Elle vit beaucoup dans sa maison de Ménerbes, dans le Sud de la France, où, jusqu’à 80 ans, elle passe une grande partie de l’année, seule, ne voyant personne, se déplaçant en vélomoteur. 

Nature morte au bocal et à la tasse
1945, Collection particulière
© Adagp, Paris, 2019
Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI / P. Migeat / Dist. RMN-GP

Le marchand d’art Marcel Fleiss qui a rencontré Dora Maar à la fin de sa vie, et lui a organisé une exposition de ses peintures en 1990, dans sa galerie, raconte que « son appartement était sale. C’était l’appartement d’une vagabonde ». Il souhaite lui acheter des photos qu’elle négocie âprement avant de le prévenir : «Je ne vous les vends que si vous jurez que vous n’êtes pas juif ». Marcel Weiss n’a pas répondu. Il avait remarqué sur ses étagères l’ouvrage d’Hitler « Mein Kampf » bien en vue. 

Dora Maar dans son atelier par Brassaï
Paris, musée national Picasso

« Mais comment a-t-elle pu passer de Guernica à Mein Kampf, de l’amour de Picasso, l’amitié d’Eluard, les pétitions contre le fascisme, à cet immonde ramassis de haine ? Faut-il croire que la souffrance, l’aigreur, la misanthropie et la bigoterie conjuguées conduisent à cette forme de folie ? Serait-elle devenue dingue à force chagrin ? » , interroge Brigitte Benkemoun dans son livre très réussi Je suis le carnet de Dora Maar (Stock, 2019), opportunément publié au moment de l’exposition. Victoria Combalia apporte quelques réponses, sans aborder cette transformation idéologique radicale : « Dora Maar voulut mener de pair sa carrière et sa passion. On peut dire qu’elle échoua sur ces deux plans. Néanmoins, elle réussit à devenir une personne autonome au prix d’une lutte titanesque. Son amour pour Picasso avait été tellement profond que se séparer de lui et de son influence pouvait être aussi difficile que d’abandonner une drogue dure ». 

Dora Maar est morte le 16 juillet 1997. Il n’y avait que cinq personnes à son enterrement au cimetière de Clamart. Elle avait conservé chez elle cent trente œuvres de Picasso, des dessins et peintures d’autres artistes et une grande partie de sa production photographique. 

Centre Pompidou, 5 juin-29 Juillet 2019

centrepompidou.fr

#ExpoDoraMaar

Helena Rubinstein, amoureuse de la beauté

 Portrait d’Helena Rubinstein, 1953
Paris, Archives Helena Rubinstein – L’Oréal ; DR

Le mahJ inaugure le printemps par une belle initiative : une exposition consacrée à une femme, une conquérante, une pionnière, une entrepreneuse, une collectionneuse, une amoureuse de la beauté: Helena Rubinstein. Après quelques grandes expositions consacrées à des figures féminines : Friedl Dicker-Brandeis (2000), Rachel, une vie pour le théâtre (2004), Charlotte Salomon Vie ou Théâtre (2006) ou Lore Krüger (2016) et d’autres, aux formats plus réduits, présentant le travail de femmes artistes contemporaines, dont, entre autres Sophie Calle (2006), Pierrette Bloch (2006),  Cécile Reims (2011), Carole Benzaken (2011), Nira Pereg (2014) ou Sigalit Landau (2016), c’est au tour d’Helena Rubinstein d’occuper les salles de ce musée jusqu’au 25 août. New York et Vienne, deux villes qui ont compté dans le parcours d’Helena Rubinstein, lui avaient chacune consacrée une exposition, en 2010 pour New York, en 2017 pour Vienne. Paris, qui se devait de rendre hommage à celle pour qui la capitale française a été si importante, présente une nouvelle version de l’exposition viennoise . Challenge réussi par le mahJ, en particulier par Michele Fitoussi, auteure d’une superbe biographie Helena Rubinstein la femme qui inventa la beauté (Grasset, 2010) et commissaire de l’exposition.   

Les bijoux de Madame
Paris, Archives Helena Rubinstein – L’Oréal ; DR

Trois grands axes se dégagent au long du parcours, éclairant la personnalité de cette femme d’avant garde : l’axe familial dont elle va s’émanciper très tôt, affirmer son indépendance et son goût des voyages, l’axe professionnel qui nous révèle les étapes de la réussite exceptionnelle d’Helena Rubinstein en Europe et aux Etats Unis, l’axe artistique qui dévoile son goût et sa sensibilité, la liant aux plus grands artistes et écrivains de son temps, aux plus grands décorateurs et couturiers qui seront ses amis et ses complices, ce même goût qui fera d’elle une immense collectionneuse.

Helena Rubinstein en tailleur Coco Chanel Paris, vers 1920 Paris, Archives Helena Rubinstein – L’Oréal ; DR

Sa vie est un roman. Née à Cracovie en 1876 dans une famille juive, la jeune Chaja, aînée de huit soeurs, est exilée à Vienne en 1894 par sa famille à qui elle refuse tout mariage arrangé. Pour connaître le monde, elle embarque pour l’Australie où vivent trois de ses oncles. Elle a 24 ans, change son prénom pour Helena, rejoint rapidement Melbourne qui lui convient mieux que les terres agricoles qu’elle visite d’abord. C’est toutefois dans son premier séjour australien qu’elle fait un constat décisif : la peau des fermières, agressée par le vent et le soleil, mérite des soins. Elle recherche la composition des pots de crème que sa mère avait glissés dans sa valise (mélange de plantes et de lanoline) et se débrouille pour fabriquer et distribuer sa première « pommade » qu’elle baptise « Valaze ». Et çà marche ! Elle peut ouvrir son premier salon de beauté, comprend vite l’utilité de la publicité dans la presse, n’hésite pas à employer actrices ou cantatrices comme égéries de sa marque…Nous sommes en 1900. Helena a déjà tout compris. De retour en Europe, elle consulte des scientifiques et opère une classification de la peau en trois types différent. 

Helena Rubinstein par Cecil Beaton New York, 1951 Paris, Archives Helena Rubinstein – L’Oréal © ADAGP, Paris, 2019

Elle rencontre en 1907, à Melbourne, William Titus, un journaliste américain juif d’origine polonaise qui tient une place de collaborateur à ses côtés avant de devenir son mari en 1908. Ils auront deux fils, Roy et Horace, divorceront en1938, année du remariage d’Helena avec le prince géorgien Artchill Gourielli-Tchkonia, de vingt-trois ans son cadet.

Quai de Béthune, Paris devant sa collection d’arts premiers Paris, Archives Helena Rubinstein – L’Oréal ; DR

Londres, New York et Paris sont les trois villes où elle partagera sa vie. Londres dans les années 10, New York pendant les deux guerres mondiales, pour y revenir régulièrement et y mourrir en 1965. Et Paris où Helena forme son goût artistique : elle achète ses premiers objets d’art africains et océaniens dans les salles de ventes parisiennes en suivant les conseils d’un ami de Titus, Jacob Epstein. C’est à Paris toujours qu’elle se lie entre les deux guerres avec de nombreux peintres et écrivains, grâce encore à son mari, à qui elle« offre» une librairie et une maison d’édition. Misia Sert, pianiste, polonaise comme elle, jouera également un grand rôle dans son immersion au sein du Tout Paris des arts et des lettres. Le goût d’Helena pour la mode la conduit à rencontrer et à se faire habiller par les couturiers du moment, Madeleine Vionnet, Coco Chanel, Christian Dior, Elsa Schiaparelli, Jeanne Lanvin et plus tard Balenciaga et Saint Laurent. Elle mécène des peintres, visite leurs ateliers et achète leurs tableaux. Dans les années 30, elle acquiert des toiles de Bonnard, Brancusi, Braque, Miro, Pascin; Kisling, Picasso, Maillol, Juan Gris, Van Dongen, Léger, Picasso…Elle commence ainsi  à constituer sa collection de peinture, qui deviendra l’une des plus grandes collections d’art au monde incluant l’art africain. 

Intérieur du salon de beauté d’Helena Rubinstein à New York 1937 Paris, Archives Helena Rubinstein – L’Oréal ; DR

Elle ouvre des salons de beauté spectaculaires dans les trois villes, y exposant des oeuvres d’art et en demandant à des artistes de peindre des panneaux muraux. Dali, Modigliani, Marcoussis, Tchelitchew, Juan Gris ont peint pour ses instituts mais aussi pour ses appartements. Dans les trois villes, elle acquiert des demeures somptueuses (comme un cinquante pièces avec terrasse au 24 quai de Béthune à Paris), quand ce ne sont pas les immeubles entiers. Les plus grands architectes, designers ou décorateurs du moment (Louis Süe, Jean-Michel Frank, Eileen Gray, Pierre Chareau, Emilio Terry, David Hicks…) aménagent ses intérieurs.

Publicité pour le rouge à lèvres Jazz avec Dave Brubeck et Suzy Parker Photo Richard Avedon, 1955 Paris, Archives Helena Rubinstein – L’Oréal

Helena Rubinstein a été peinte par une trentaine d’artistes majeurs, entre autres par Raoul Dufy, Marie Laurencin, Paul César Helleu, Graham Sutherland, Christian Bérard, Candido Portinari, Pavel Tchelitchew ou Sarah Lipska et dessinée par Picasso…. Elle a aussi été beaucoup photographiée, en particulier par Cecil Beaton, Dora Marr, Erwin Blumenfeld, Boris Lipnitzki…

Candido Portinari, Portrait d’Helena Rubinstein Huile sur toile, 1939 Musée d’art de Tel-Aviv © ADAGP, Paris, 2019
Helena Rubinstein par Erwin Blumenfeld
New York, vers 1955
© The Estate of Erwin Blumenfeld

En 1958, elle a perdu successivement son époux et son fis cadet. Elle plonge dans de graves dépressions et entreprend de voyager en Australie, au Japon, à Hong Kong, à Moscou pour arriver en Israël où elle finance la construction du pavillon pour l’art contemporain du musée Tel Aviv à qui elle lèguera une partie de sa collection. Elle n’a jamais oublié les racines juives qui l’ont constituée.

Helena Rubinstein dans son appartement
new-yorkais, 1954
Collection Lilith Fass, Paris ; DR

L’exposition, grâce à de nombreux documents, dont de très nombreuses archives photographiques, le matériel publicitaire de la marque incroyablement novateur, des robes et bijoux signés Dior ou Chanel, des pièces de sa collection de peintures et de sculptures, des interviews filmées, nous permettent de prendre la dimension de la femme d’affaires qu’elle était, de la femme de goût qu’elle fut et de sa vision de LA femme qu’elle voulait belle, indépendante et libre.

Un magnifique catalogue accompagne l’exposition (co-édition mahJ Flammarion) 

Helena Rubinstein, L’aventure de la beauté, jusqu’au dimanche 25 août 2019, Musée d’art et d’histoire du Judaïsme www.mahj.org

Pierre Jamet, photographe humaniste

Dina Vierny, 1937

Connaissez vous Pierre Jamet ? Le cas échéant, vous faites partie d’un tout petit cercle de privilégiés qui savent déjà beaucoup de choses sur lui. Si ce n’est pas encore le cas, vous avez quinze jours pour courir jusqu’à Gif sur Yvette, au Château du Val Fleury, découvrir une superbe exposition, Eclatante Jeunesse, qui rassemble une centaine de ses photos provenant de la collection de sa fille, Corinne Jamet-Vierny.

Au bain, 1937

Qui est Pierre Jamet ? Né en 1910, Pierre a développé deux passions à l’adolescence : la photographie (il achète son premier appareil photo à l’âge de 14 ans) et la chanson. A 20 ans, il pratique plusieurs métiers pour gagner sa vie : radio dans la marine marchande, dactylo, modèle, danseur, figurant puis il devient directeur d’une colonie de vacances dans le hameau de Grand Village à Belle Ile en mer en 1930, où il recevra, entre autres, quelques enfants qui deviendront célèbres comme Mouloudji et Daniel Filipacchi.

Mouloudji, 1937

Il est déjà très engagé dans le mouvement culturel lié au Parti Communiste. A partir de 1933, il se consacre de la chorale de l’AEAR (Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires) où il chante comme ténor. Dans ce cadre, il rencontre plusieurs personnalités qui resterons ses amis pour la vie, dont la belle Dina Aïbinder, plus connue sous le nom de Dina Vierny, muse du sculpteur Aristide Maillol et plus tard fondatrice du Musée Maillol à Paris. 

Dina, 1936

Dès 1936, Pierre Jamet participe à l’essor des Auberges de jeunesse, initiées par Léo Lagrange, alors ministre de la jeunesse, développées dans l’enthousiasme du Front Populaire et des congés payés. Dans ce cadre, il recrute une vingtaine de jeunes gens qui ont environ 18 ans. Il a magnifiquement photographié ce « Groupe 18 ans » et ces ajistes, les membres des Auberges de Jeunesse, si heureux de vivre cette période intense. La liberté, la joie de vivre, le goût de la nature, la musique, la marche sont autant d’éléments d’une vie fraternelle que les photos nous restituent avec éclat, dans un noir et blanc magnifique. Elles  constituent la première partie de l’exposition et répondent sans conteste à son titre Eclatante jeunesse. Comme Dina, membre du Groupe, certains d’entre eux, juifs d’Europe de l’Est, venaient du groupe de jeunesse socialiste Les Faucons Rouges. Voir leur bonheur sur les photos de Pierre Jamet est d’autant plus poignant qu’une partie d’entre eux disparaitra dans les camps nazis, à l’instar de son ami Lucien Braslavsky, déporté à Auschwitz en 1942, à l’âge de 22 ans. Corinne Jamet nous permet de lire un poème bouleversant de « Lubra », Les copains, retranscrit par son père et mis en valeur au coeur de l’exposition dans la typographie manuscrite de Pierre Jamet.

Chahut à l’auberge, 1937

Ces clichés, au-delà de leur grande qualité artistique, constituent un témoignage social et historique très précieux.

pelle et seau, Belle Ile, 1949

La deuxième partie de l’exposition révèle d’autres facettes de la vie riche de rencontres de Pierre Jamet. Se situant toujours en photographe amateur, ses photos sont contagieuses de chaleur, de joie et d’émotion. « Si j’aime tant la photographie, ce doit être outre le plaisir de l’émotion et de la forme; pour le désir de prolonger l’éphémère et sauver l’instant », a t’il écrit. Qu’il photographie ses proches, dont sa fille enfant sur la plage de Belle-Ile, des anonymes ou des amis, il capte les mouvements et les moments avec force. Dans cette même période de l’entre deux guerres, il est proche de Prévert et du Groupe Octobre.

Jacques Prévert, 1947

Il publie des reportages dans l’hebdomadaire communiste Regards aux côtés de jeunes photographes qui se nomment Robert Capa, Chim ou Henri Cartier-Bresson. On peut bien entendu classer le travail de Jamet dans la catégorie de la photographie humaniste, aux côtés de Robert Doisneau, Willy Ronis ou Sabine Weiss. 

Après guerre, Pierre Jamet vivra de sa seconde passion, la chanson, en devenant l’un des membres du quatuor vocal Les Quatre Barbus.

femme, mer, plage, bain, 1933

Il est mort en 2000, n’ayant vu de son vivant qu’une vraie exposition de ses photos, en 1982, intitulée 1936 Au-devant de la vie.

Lisa et Fernand Fonssagrives, Ballets Weidt, Paris, 1934

Depuis 2009, Corinne Jamet, qui a inventorié et numérisé tout le fonds de son père, se consacre à la diffusion de son oeuvre qui mériterait une vraie et belle exposition parisienne. 

Exposition « Eclatante jeunesse » jusqu’au 28 avril 2019,
www.ville-gif.fr

Château du Val Fleury, allée du Val Fleury 91190 Gif-sur-Yvette

Plus d’ images de l’exposition :

Hammershøi, le maître de la peinture danoise.

Il y a une bonne nouvelle à Paris depuis le 14 mars : une exposition consacrée au peintre Hammershøi, sous titrée « Le maître de la peinture danoise ». C’est la première exposition parisienne de l’artiste depuis celle qui lui avait été consacrée à Orsay en 1997 et où les espaces, il faut le souligner, étaient beaucoup plus adaptés que ceux du Musée Jacquemard André, trop exigus, ne permettant pas assez de recul pour admirer les oeuvres, d’autant plus que les visiteurs sont nombreux. Ce succès est heureux car l’univers en gris et blanc du peintre est tout simplement intriguant, envoutant, merveilleux.

Né en 1864, Vilhelm Hammershøi était tombé dans l’oubli après sa mort (1916), excepté dans les pays nordiques. Son oeuvre a été redécouverte dans les années 1990 et Hammershøi est désormais considéré comme « le Veermeer du XXème siècle et reconnu comme un artiste de la lumière et du silence ».

Vilhelm Hammershøi, Intérieur avec un pot de fleurs, Bredgade 25, 1910 – 1911, Malmö Konstmuseum, Suède © Vilhelm Hammershøi /Matilda Thulin / Malmö Art Museum

L’exposition présentée à Paris permet un regard sur l’ensemble de son oeuvre et illustre ses liens artistiques avec son entourage : sa mère Frederikke, qui a encouragé et soutenu son fils toute sa vie, sa fiancée, Ida, qui devient ensuite son épouse, son principal modèle (elle succède par là à la soeur de Wilhelm qui posa d’abord pour lui), son beau-frère Peter Ilsted- le frère d’Ida-, son frère Svend Hammershøi et son ami Carl Holsøe. Les toiles de ces trois derniers sont mises en regard de celles de Wilhelm et témoignent de leurs points communs et de leurs différences. Les points communs sont contenus dans les thématiques abordées, en particulier les intérieurs, un thème en vogue au début du XXème siècle chez les peintres danois, mais aussi les paysages citadins. Il est frappant d’observer leurs différences formelles : la palette des toiles d’Hammershøi est plus douce, plus éteinte, plus froide alors que ses proches choisissent de rendre des atmosphères plus chaleureuses. Hier les toiles d’Hammershøi ne trouvaient pas acquéreurs. Aujourd’hui leur dépouillement et leur radicalité confèrent à l’artiste une puissance bien supérieure et une modernité absolue.

Vilhelm Hammershøi Rayons de soleil, 1900, Copenhague, Odrupgaard

Le dépouillement est l’une des caractéristiques d’Hammershøi. Que ce soit les images des appartements qu’il aime peindre ou des paysages, nul détails n’encombrent l’angle qu’il choisit. Aucune bagatelle pittoresque dans ses paysages, pas de présence humaine…Très peu d’éléments de décor dans les appartements : le regard se concentre sur les perspectives (les portes qui ouvrent sur une autre pièce comme Intérieur avec une femme debout ou Intérieur, Standgade 30,1901), une silhouette au loin ou, le plus souvent, une silhouette de dos (Hvile, dit aussi Repos,1905), un poêle (La porte blanche (Intérieur au vieux poêle), 1888), une table recouverte d’une simple nappe (Intérieur avec une femme de dos, 1898), d’une tasse et d’une cafetière (Intérieur, Standgade 30,1899) ou d’un pot de fleurs (Intérieur avec un pot de fleurs, Bredgade 25, 1910-1911)…Mais surtout la lumière, incomparable, qui se reflète pour nous à travers une fenêtre (Rayons de soleil, 1900, Intérieur rayon de soleil sur le sol, 1906), un rideau (Intérieur avec un jeune homme lisant, 1898) ou tout simplement sur un mur (Rayon de soleil dans le salon, III, 1903). Un émerveillement.

Hammershøi, Le maître de la peinture danoise.

Musée Jacquemart-André 158 boulevard Haussmann, 75008 Paris

Jusqu’au 22 juillet. Le musée est ouvert tous les jours. Il est recommandé d’acheter son billet en ligne, ce qui évite de faire la queue. Eviter les weekend !