CAMILLE

Nina Meurisse dans Camille

Camille est un film bouleversant. Le réalisateur nous entraine sur les pas d’une jeune femme, photographe de 25 ans, Camille Lepage, qui après avoir vécu un an au Sud Soudan pour l’AFP a décidé de devenir indépendante. Elle est pétrie d’idéal et s’intéresse à la Centrafrique qui vient de basculer dans la guerre civile. Lorsqu’elle arrive à Bangui en 2013, la Séléka, coalition de rebelles majoritairement musulmans, a pris le pouvoir et fait régner la terreur. Les Anti-balaka se sont organisés en réaction. Camille se rapproche de l’un de ces groupes. Elle photographie l’horreur, la violence, les massacres. Elle n’est pas préparée à la folie de la guerre. Elle rentre chez elle épuisée pour fêter la fin de l’année en famille mais décide de repartir en février 2014 alors que toute la presse a déjà quitté la Centrafrique. En suivant un jeune chef anti-balaka dans ses patrouilles, elle trouve la mort à la frontière du Cameroun dans une embuscade. Elle a 26 ans. 

Camille de Boris Lojkine

« C’est une fille qui a dû partir au bout du monde pour se trouver. Une fille qui s’intéressait à des populations lointaines, comme moi. Elle était partie faire du photojournalisme, mais elle ne voulait pas être comme ces photographes de guerre qui zappent d’un conflit à l’autre et ne passent dans un pays que le strict minimum de temps pour en rapporter des photos choc. » C’est ainsi que Boris Lojkine présente Camille, l’héroïne de son deuxième long métrage de fiction (après Hope, 2014) et témoigne de sa proximité avec elle. Il a choisi pour son film de mêler la réalité et la fiction avec toujours, dit-il, « le souci de respecter une triple vérité : la vérité de Camille, la vérité de ce qu’est le métier de photojournaliste et la vérité des événements de Centrafrique au milieu desquels se déroule notre histoire ». Lorsqu’il décide de s’intéresser à elle, en 2016, il doit d’abord convaincre la famille de Camille Lepage. Des légendes ont circulé sur les circonstances de sa mort, jamais élucidées. Maryvonne, sa mère (incarnée par la merveilleuse Mireille Perrier), réticente au départ d’imaginer sa fille sous les traits d’une comédienne, finit par faire confiance au réalisateur et lui donne accès à l’ensemble des photos et des notes de Camille. 

Tournage du film « Camille » de Boris Lojkine en Centrafrique.
Nina Meurisse, actrice (Camille Lepage) lors du tournage d’une scène de lynchage à Bangui.

Boris Lojkine a reconstitué le parcours de Camille Lepage en Centrafrique en effectuant un gros travail d’enquête, soucieux de ne pas la trahir. Il se sent très proche d’elle, de sa manière de concevoir le métier en se mettant au service de la population, en vivant avec elle, loin des hôtels internationaux ou des villas d’expatriés. Il décide de tourner en Centrafrique, « la moindre des chose était de tourner sur place ». Il organise des casting sauvages dans les quartiers, à la fac, au stade de foot. Il voit entre trois cent et quatre cent personnes. En amont du tournage, il monte, en 2016, des stages d’initiation à la réalisation documentaire d’où une dizaine de stagiaires formés travailleront ensuite sur le film. Leurs présences, mêlées aux techniciens européens, a beaucoup aidé au tournage, l’a enrichi et facilité des négociations avec les autorités. A terme, ces ateliers vont conduire à la création d’un pôle audiovisuel pérenne.

Le visage rieur de Camille Lepage qui avait frappé le réalisateur lorsqu’il a découvert sa photo dans le journal, tellement solaire, en contraste absolu avec les horreurs qu’elle a photographiées, s’est fondu pour nous dans celui d’une comédienne incroyable : Nina Meurisse. Son sourire, sa joie enfantine, son humanité, son regard à la fois tendre et têtu, son optimisme, son énergie, son courage…Tout est contenu dans le jeu de Nina Meurisse, justement couronnée du Prix de la meilleure actrice au Festival d’Angoulême. Le réalisateur a trouvé dans la comédienne, outre sa ressemblance physique avec Camille Lepage, « une grande force morale, une véritable intériorité, une profondeur » qui sont quelques unes des belles qualités qui habitent visiblement son personnage. 

L’implication de Camille Lepage en Centrafrique, Boris Lojkine la transmet avec force. Il reconstitue avec réalisme, mais sans aucun voyeurisme, la sauvagerie des scènes de foule, des exactions, la violence qui s’est emparée du pays. En mêlant les vraies photos de la reporter aux images du film, on comprend avec quelle précision le réalisateur a travaillé à la reconstitution tant des situations que des visages des hommes et des femmes que Camille a croisés, avec qui elle a pour une part vécu. Les regards de la photographe et du réalisateur ne font plus qu’un.

Le film dit aussi l’impasse dans laquelle la jeune fille avait conscience de s’être engouffrée. En pensant pouvoir briser les frontières entre elle et les autres, malgré les recommandations faites par l’un des journalistes qu’elle côtoie sur place (Bruno Todeschini, formidable !), elle est sans cesse renvoyée à son statut de blanche, de femme, d’ancienne colonisatrice. 

Nina Meurisse dans Camille

Elle est une belle personne qui parvient toutefois à établir de vraies relations avec quelques révoltés qu’elle côtoie. Des scènes magnifiques de douceur sont proposées, en particulier avec d’autres femmes, lors d’un moment de toilette ou d’un repas qu’une mère a cuisiné pour elle ou encore de recueillement après l’assassinat de la jeune Leïla, l’un des personnages imaginés par le réalisateur pour construire son scénario. La bonté, l’humanité qui se dégagent de ces moment s’opposent radicalement à la violence des vengeances qui massacrent chacune des parties en guerre.

« Même si on me verra toujours comme une blanche, même si je suis dans une guerre qui n’est pas la mienne, j’ai le sentiment d’être ici à ma place », avait écrit Camille Lepage. Sa courte vie l’aura autorisée à cette certitude.

L’association « Camille Lepage – On est ensemble », fondée en septembre 2014 par la famille proche de Camille, ses parents et son frère, a pour but de promouvoir la mémoire, l’engagement et le travail de Camille, mais aussi de contribuer à la protection de photojournalistes travaillant dans les zones de conflit. Chaque année, l’association remet lors du festival Visa pour l’image à Perpignan un prix à un photojournaliste dont le travail témoigne d’un engagement personnel fort dans un pays, auprès d’une population ou pour une cause. 

Camille, un film de Boris Lojkine, France/République centrafricaine, 2019, 90’.

 

PAPICHA

Qu’est-ce qu’une Papicha ? Dans le vocabulaire algérois, papicha désigne une jeune femme drôle, jolie, libérée. Mounia Medour met en scène, dans son premier film de fiction, une bande de papicha, une bande de filles dans l’Algérie des années 90, période qualifiée de « décennie noire » ou de guerre civile algérienne, pendant laquelle le mouvement islamiste algérien, mené d’abord par le FIS (Frot Islamiste du Salut), tente d’imposer ses lois et ses valeurs.

Le film s’ouvre sur une scène fondatrice : Nedjma et son amie Wassila s’échappent à la nuit de leur cité universitaire pour s’engouffrer dans le taxi qui les attend. Les étudiantes sages, en jogging, opèrent alors dans la voiture leurs mues en « belles meufs », enfilant des robes scintillantes, maquillant leurs yeux et leurs bouches, fumant des cigarettes. Elles passent miraculeusement à travers un barrage de police grâce aux voiles dont elles recouvrent rapidement leurs cheveux. Le décor est planté : il faut transgresser les limites pour pouvoir être une jeune fille libre dans ce pays, à cette période.

La fin de l’insouciance est le thème de ce film qui met le corps des femmes au centre de son propos. Nedjma est une  styliste en herbe. Elle fabrique des robes qu’elle vend à ses copines dans les toilettes d’une boite de nuit où elles se retrouvent pour danser. Filmées au plus près de leurs visages et de leurs gestes, elles aiment la vie, les garçons, la rigolade et l’amour. Puis, petit à petit, les femmes en hidjab sont partout : elle font irruption en patrouilles menaçantes dans les salles de classe, dans les chambres des filles, des affiches à leur image sont collées sur les murs de la ville comme unique modèle féminin puis sont placardées à l’intérieur de l’université. Une enceinte se construit, chaque jour plus haute, autour de la cité U pour « protéger » les étudiantes des tentations de la vie extérieure. Les reportages à la télé ou la radio témoignent des attentats quotidiens et des massacres perpétrés par les intégristes. Autant de messages anxiogènes d’une situation politique qui cherche à museler les libertés. Liberté de penser, liberté de circuler, liberté d’habiller son corps selon son goût ou la mode des magazines.

Les Papicha ont conscience des dangers qui les guettent mais décident de continuer à vivre leurs vies, de braver les interdits. Nedjma (extraordinaire Lyna Khoudri révélée dans « Les Bienheureux » de Sofia Djama en 2007 et actuellement à l’affiche de la série Les Sauvages sur Canal +) veut continuer à créer ses robes et n’envisage pas une seconde de quitter son pays, Wassila (formidable Shirine Bouteilla, youtubeuse au million de followers dans la vraie vie) soutient son amie et croit par ailleurs au grand amour, Karina (lumineuse Zahra Doumandji) rêve de quitter l’Algérie pour un Canada idéal; quant à Samira (incarnée par la slammeuse Amina Hilda), la seule religieuse d’entre elles, elle est magnifique dans ses contradictions, entre respect de la tradition et révolte contre la soumission.

L’assassinat de sa soeur Linda, exécutée à bout portant, pratiquement sous ses yeux et ceux de leur mère, par une femme voilée, fait basculer la vie de Nedjma (et le film). Linda a été supprimée car elle était journaliste et trop bien habillée. L’heure est à la résistance. Sa colère, sa rage tiennent la jeune styliste debout et guident sa détermination. Elle se lance dans un pari fou : organiser un défilé de mode dans la fac, en créant des robes coupées dans des haïks. Ce long morceau de tissu blanc, symbole de pureté et d’élégance, était devenu un symbole de la résistance nationale algérienne contre la politique coloniale française. Nedjma noircit ses carnets de croquis, crée des modèles tourbillonnants sans oublier la robe de mariée. Ce tissu symbolisera une nouvelle résistance, celui de la matière de robes qui dévoilent les corps, celui de l’étoffe à l’éclatante blancheur opposée au tissu noir des niqab provenant d’Arabie Saoudite. Les plans des mains de Nedjma, modelant avec patience et précision les tissus pour leur donner forme, sont magnifiques.

On ne racontera pas ici les obstacles et les victoires, les espoirs et les déceptions, les joies et les douleurs de ces jeunes femmes en colère. On dira en revanche, qu’il faut aller voir ce film, manifeste féminin, sinon féministe contre l’oppression des femmes, pour la liberté de leurs corps et de leurs destins. On s’insurgera contre quelques critiques cinématographiques qui font à ce film des reproches injustes : l’un l’accuse de ressembler trop à Mustang (tant mieux s’il existe un cinéma arabe féministe qui combat l’obscurantisme !), l’autre déplore son manque de recul et son énergie qui confinerait à la frénésie, un troisième dénonce des invraisemblances historiques, beaucoup trouvent ce film maladroit et trop démonstratif …. Mounia Medour a construit un scénario en partie autobiographique, choisissant d’abandonner son expertise de documentariste, au profit de la fiction. Elle a tourné en Algérie, pays qui a pourtant, à ce jour, annulé la sortie du film dans ses salles. Le choix de faire parler les personnages en « françarabe », un mélange d’arabe et de français, donne aux dialogues un rythme et une vérité tonique.  L’énergie frénétique qui est reprochée à la réalisatrice permet, au contraire, de nous raconter un moment de l’histoire de son pays à travers les yeux d’une jeune femme dont la beauté éclatante est son principal défaut aux yeux des intégristes. Même si ce film n’est pas retenu comme un grand film dans l’Histoire du cinéma, l’émotion qu’il réussit à nous procurer relègue loin les questions d’éventuelles maladresses ou d’incohérences historiques. Nous nous réjouissons de savoir Papicha représenter l’Algérie aux Oscars 2020.

 

Papicha, 105 min – France, Algeria, Belgium, Qatar – 2019

Sélection Un certain regard, Festival de Cannes 2019

Meilleur scénario, meilleure actrice, Prix du public, Festival du film francophone d'Angoulême 2019

Charlotte Perriand, la sublime beauté de la vie

 

Le monde de Charlotte Perriand

« Il faut avoir l’œil en éventail. On n’invente rien, on découvre ». Ces mots de Charlotte Perriand raisonnent comme  les mots d’ordre de sa vie. Elle n’a jamais cessé de regarder pour mieux découvrir et, quoiqu’elle en dise, pour inventer. 

Connaissez vous Charlotte Perriand ? Aviez-vous déjà entendu parler d’elle avant la formidable campagne de communication orchestrée autour de l’exposition de son œuvre à la Fondation Louis Vuitton, couvertures de magazines, colonnes Morris entièrement dédiées, émissions de radio, de télévision ? Rassurez vous. Si vous ne la connaissez pas encore, c’est une grande chance. Vous allez découvrir une pionnière, une femme libre, une femme contemporaine, une visionnaire.

Le Corbusier,Charlotte Perriand, 1928.
Photographie Pierre Jeanneret (extrait)
Source : Archives Charlotte Perriand
©ADAGP-AChP 2006.

Née en 1903 à Paris, dans les tissus utilisés par sa mère couturière et son père tailleur, elle s’émancipe rapidement des conventions de son époque et de son milieu. Formée à l’école de l’Union des arts décoratifs, elle expose à 24 ans, au Salon d’automne 1927, un projet d’aménagement pour un révolutionnaire « Bar sous le toit ». Elle choisit d’inventer, non pas un salon bourgeois, mais un espace tel qu’elle aimerait le partager avec ses copains pour boire un verre. La conception est d’autant plus novatrice qu’elle utilise des matériaux, l’aluminium et l’acier, réservés traditionnellement à l’industrie, en particulier aux automobiles qui la fascine.

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Protégée par son fameux collier fait de roulements à billes chromées au cou, elle cherche du travail. Avant l’exposition de son « Bar sous le toit », elle sollicite Le Corbusier qui la reçoit de manière glaciale : « Ici on ne brode pas de coussins » la prévient-elle, comme si une jeune fille ne pouvait avoir d’autres compétences que celles requises pour les travaux d’aiguilles… Ce mauvais début n’empêche pas Corbu d’évaluer rapidement le talent de la jeune Charlotte lorsqu’il découvre ses réalisations : il lui propose d’intégrer l’agence. Il a besoin d’elle et elle a trouvé un maître. Avec Pierre Jeanneret, cousin de Le Corbusier -et pour quelques temps son compagnon-,  Charlotte conçoit tout un programme de mobilier dont deux sièges, devenus depuis iconiques  : le fauteuil grand confort, et la chaise longue à bascule.

Charlotte Perriand sur la chaise longue basculante 1928-1929 Le Corbusier-Pierre Jeanneret-Charlotte Perriand–adagp-paris-2019-adagp-paris-2

Le Corbusier signera longtemps uniquement en son nom la réalisation de cette chaise…Le nom de Charlotte est effacé, comme si le nom d’une femme ne pouvait exister seul. Il faut attendre 1985 pour le voir réapparaitre, la chaise longue et le fauteuil étant désormais signés collectivement, par ordre alphabétique, « Le Corbusier, Jeanneret, Perriand ». Son nom s’inscrit tout de même en dernier !

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Au fil des quatre niveaux de la Fondation, se dessine le portrait de celle qui affirme que « l’art est dans tout : un geste, un vase, une assiette, un verre, une sculpture, un bijou, une manière d’être ». Sa manière d’être devient chez elle un art de vivre qu’elle transmet à travers chacune de ses réalisations.

Charlotte Perrian, grès de la carrière de Bourron, Foret de Fontainebleau vers 1935,adagp-paris-2019-achp

« Il est nécessaire d’attendre une vingtaine d’années après la mort d’un créateur pour voir la place qu’il occupe dans l’histoire  de l’art », avait prédit un ami de la fille de Charlotte, Pernette Perriand à la mort de sa mère. Charlotte est devenue « une poussière d’étoile » le 27 octobre 1999, il y a tout juste vingt ans. A la lumière de la magnifique exposition que lui consacre la Fondation Louis Vuitton « Le monde nouveau de Charlotte Perriand » et de plusieurs ouvrages, le public peut enfin prendre la mesure de sa contribution en matière de design et d’architecture et plus largement encore dans le domaine artistique. « Architecte, urbaniste, désigner, photographe, directrice artistique, scénographe, propagandiste de l’art pour tous…je ne me définis pas, ce serait une limitation, » a t elle déclarée.

visiteurs devant « La grande misère de Paris » de Charlotte Perriand, Fondation Louis-Vuitton-adagp-paris-2019

Femme engagée dans les années trente, elle rejoint dès 1929 l’Union des Artistes modernes (l’UAM) qui réclame « un art moderne véritablement social ». En 1932, elle devient membre de l’AEAR, l’association des artistes et écrivains révolutionnaires, aux côtés d’Aragon, Romain Rolland, André Lurçat et tant d’autres. Elle réalise dans ce cadre un photomontage monumental « La grande misère de Paris». Elle y exprime sa révolte devant les ilots insalubres, les « vies sans soleil » des gamins des rues qu’elle photographie, mais aussi devant des programmes de constructions d’immeubles qu’elle juge « hideux » sans cette « ceinture de verdure » dont le projet vient d’être abandonné. 

Léger Fernand (1881-1955). Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. AM3026P.

Le photomontage est présenté dans l’exposition en regard d’œuvres de Fernand Léger son voisin, son ami. Avec lui, elle aime se ressourcer dans la nature, trouver des silex, des pierres, des branches d’arbre qu’elle transforme en œuvres d’art. Les tableaux de Léger accompagnent l’œuvre de Perriand tout au long de l’exposition, partageant les murs de la Fondation avec des oeuvres signées Le Corbusier, Hans Hartung, Miró, Braque, Soulages, Henri Laurens, Calder, Picasso. Heureux compagnonnage.

Charlotte-Perriand, Perspective du bar et de la salle à manger de la place Saint Sulpice, 1927 -adagp-paris-2019-achp

En créant, en 1928, une salle à manger dans des matériaux révolutionnaires, intégrant une cuisine ouverte qui permet à la maîtresse de maison de continuer la conversation avec ses invités, une table extensible et des sièges pivotants, on comprend que Charlotte Perriand vient de jeter les bases d’une certaine idée de la vie moderne dans laquelle le statut de la femme se transforme progressivement. 

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Elle « invente » des rangements -placards, casiers, étagères-, qui participent d’une « révolution dans l’art d’habiter », tout comme ses chaises empilables qui font gagner de l’espace. La conception des petits espaces est l’une de ses grandes réussites, mettant à profit son goût pour les refuges de montagne dont elle aime les aménagements minimalistes. Son «refuge Tonneau » en est une belle matérialisation dès 1938. Témoin aussi « La maison du bord de l’eau » projet conçu en 1936, réalisé spécialement pour cette exposition : tout est là, tout est pensé pour dormir, faire sa toilette, cuisiner, manger, se reposer dans une chaise longue en admirant la nature. L’espace est fonctionnel, les matériaux sont beaux, bruts : une sérénité nous envahit.

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Charlotte est aussi une grande voyageuse. Sollicitée dès 1940 par son ex-collègue de l’atelier Le Corbusier, Junzo Sakakura, elle embarque en pleine guerre pour le Japon où elle est attendue en qualité de conseillère en art industriel pour le gouvernement japonais. Ce séjour aiguise un peu plus le regard qu’elle pose, encore et toujours, sur l’espace. Comme l’écrit Laure Adler dans le beau livre qu’elle lui consacre chez Gallimard : « Eblouie par la beauté des visages, des paysages, de l’habitat, fascinée par le savoir-faire traditionnel, par les coutumes, les danses rituelles, le lien indestructible entre le religieux, l’humain et la nature (…), plus attentive au vide qu’au plein, au peu qu’au trop, l’harmonie entre l’architecture et la vie, elle tombe très vite amoureuse de l’âme japonaise ». Charlotte découvre d’autres matériaux, dont le bambou, qu’elle utilise pour ses meubles. Une version bambou de sa chaise longue à bascule est l’une des superbes pièces de l’exposition. 

‘Light Stand with Akari 30P by Isamu Noguchi’ by Charlotte Perriand, circa 1963 (iron stand, paper, and bamboo shades)

On admire également les lampes en papier qu’elle réalisera avec le grand artiste américano- japonais Isamu Noguchi dans les années 50 et 60. Un must. On aime aussi sa Chaise ombre dont elle a eu l’idée en assistant à un spectacle de Kabuki où les manipulateurs de marionnettes se fondent dans l’ombre avec leurs masques noirs. 

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Avec son mari Jacques Martin, rencontré en Indochine, à Hanoï en 1942, alors qu’il est responsable des Affaires économiques en Indochine, elle découvre le Brésil après la naissance de leur fille. Elle vivra et travaillera à Rio, infatigable, demeurant toujours fidèle à ses principes : concevoir des formes utiles, intégrant les technologies d’avant-garde ainsi que les savoir-faire de différentes cultures. « Proposition d’une synthèse des arts », sa grande exposition à Tokyo en 1955, apparaît (…) comme le condensé de ses engagements. Le design s’y intègre à la peinture, à la céramique, aux tapisseries et tapis, dans un environnement total et une complémentarité désormais clairement affirmée, souligne Suzanne Pagé, directrice artistique de la Fondation Louis Vuitton. 

Charlotte Perriand Guy Rey Millet Les Arcs 1968-1969-adagp-paris-2019-charlotte-perriand-achp

Charlotte a régulièrement besoin de l’altitude et de la montagne pour se ressourcer. « Elle aime et apprécie la rusticité, la simplicité, et éprouve son corps à la fatigue des grandes marches l’été, où elle dort dans des refuges », rappelle Laure Adler. Elle va consacrer vingt ans de sa vie (de 1967 à 1989), à la conception de la station de ski des Arcs en Savoie pour laquelle elle allie l’intégration des immeubles dans la pente de la montagne, le confort des occupants des lieux tout en privilégiant leurs regards sur les sommets.

CHARLOTTE PERRIAND SUR UNE PLAGE A DIEPPE PHOTOGRAPHIEE PAR PIERRE JEANNERET, VERS 1934

« J’ai toujours cultivé le bonheur, c’est comme çà que je m’en suis sortie », a confié Charlotte au seuil de sa vie. « Travailler pour consommer, un cycle infernal où la sublime beauté de la vie n’est pas prise en compte ». Par ces deux phrases, Charlotte nous révèle une philosophie de l’existence qu’elle nous transmet à travers ses meubles, sa conception des espaces, sa prise en compte de la nature. Sa dernière réalisation, en 1993, la Maison de thé, en est le point d’orgue.

Charlotte Perriand, la Maison de thé, 1993
Le monde nouveau de Charlotte Perriand 

Du 2 octobre 2019 au 24 février 2020 à la Fondation Louis Vuitton

Commissaires :  Jacques Barsac, Sébastien Cherruet, Gladys Fabre, Sébastien Gokalp et Pernette Perriand-Barsac assistés de Roger Herrera (Fondation Louis Vuitton) 

Architecte scénographe : Jean-François Bodin 

informations et réservations : www.fondationlouisvuitton.fr 
PUBLICATIONS 

Charlotte Perriand | L’œuvre complète – Tome 4   Jacques Barsac, Editions Norma, Préface de Michelle Perrot,, 528 pages - 800 illustrations, 95 euros 

Charlotte Perriand au Japon, roman graphique de Charles Berberian, ARTE Editions / Le Chêne, 128 pages, 19,90 € 

Charlotte Perriand, Laure Adler, Editions Gallimard, 272 pages, 200 illustrations, 29,90 € 

Catalogue de l’exposition,400 p., 300 illustrations, 49€, sous la direction Sébastien Cherruet et Jacques Barsac avec la participation de Pernette Perriand-Barsac
et la coordination de Martine Dancer-Mourès 


AUDIOVISUEL 

Charlotte Perriand, pionnière de l’art de vivre, documentaire de Stéphane Ghez (France, 2019, 52mn) Coproduction : ARTE France, Cinétévé, Fondation Louis Vuitton 

BETTY MARCUSFELD, un documentaire de Martine Bouquin

Qui est Betty Marcusfeld ? C’est à cette interrogation que Martine Bouquin répond dans son très beau documentaire. En quatre vingt dix minutes, elle reconstitue le parcours de cette jeune fille juive de 21 ans, arrêtée au printemps 1942 dans une rue de Paris occupé, alors qu’elle se promenait avec une amie sans porter l’étoile jaune obligatoire. Cette infraction va lui coûter la vie et c’est dans cette courte vie que nous plonge ce film.

Betty est la tante de la réalisatrice. On ne parlait pas d’elle dans la famille.  C’était « la disparue » dont on savait seulement qu’elle avait été déportée. Martine Bouquin questionne et décide : « Qui était-elle ? Il fallait essayer de tracer son portrait… ». 

En partant de l’album de photos et de quelques archives familiales, à la faveur de recherches méthodiques dans les salles d’archives (Archives nationales, Archives de la Préfecture de Police, Archives de Paris), l’enquête permet de retracer le chemin parcouru depuis l’arrestation de Betty, le 7 juin 1942, jusqu’à sa disparition. 

Les informations se précisent : Betty a été détenue au camp des Tourelles pendant treize jours puis déportée à Drancy. Martine Bouquin a retrouvé la liste des femmes emprisonnées avec sa tante. Deux informations sont bouleversantes : la première révèle qu’une certaine Dora Bruder, héroïne du roman éponyme de Patrick Modiano, était l’une des camarades d’infortune de Betty. La seconde nous apprend que des femmes « aryennes » étaient internées aux Tourelles pour avoir porté l’étoile jaune (ou des étoiles « fantaisistes » d’autres couleurs ou avec des inscriptions variées), par solidarité avec leurs « amies juives ».  Grâce aux Mémoires publiées par l’une d’elle, nous imaginons le quotidien de Betty dans cette vie recluse. Un rapport de la police judiciaire décrit de manière glaçante le transfert vers Drancy en autobus, le 13 août 1942, de quatre cents femmes, la plupart juives comme la jeune Betty accompagnées de leurs « amies aryennes ». La réalisatrice choisit de refaire le trajet en bus aujourd’hui, passant non loin de la gare de Bobigny, station des Chemins de fer français d’où s’ébranlaient les convois de déportés vers les camps de la mort.

Avec une belle économie d’images et de documents – photos et films familiaux, images de Paris aujourd’hui, interviews de quelques témoins, dessins, textes publiés- Martine Bouquin raconte Betty à la première personne, se met en scène et parvient ainsi à nous la rendre très proche. Elle superpose sa vie à la sienne dans les lieux de leurs enfances respectives. Elle superpose aussi la photo de Betty au portrait qu’elle dessine au fusain de la jeune fille,

pour mieux la retrouver. Elle parvient, à travers l’histoire de sa tante, à recoller des morceaux de son histoire familiale tout en laissant ouvertes beaucoup de questions, de suppositions sur la jeunesse de Betty avant son arrestation. Les cours qu’elle prenait dans une Ecole de soins esthétiques nous indiquent qu’elle était probablement une jeune fille coquette, libre et, nous l’espérons amoureuse, comme on l’est à 20 ans. 

Betty a passé près d’une année à Drancy. La famille n’a pas réussi à la faire libérer. Grâce à des gouaches criantes de réalisme auxquelles Martine Bouquin a eu accès, aux photos en noir et blanc des immeubles années 30 de cette cité inachevée destinée initialement à « offrir aux classes populaires de banlieue, confort moderne et hygiène », transformée en antichambre de Pichipoï,, l’ombre de Betty hante Drancy.

Ensuite, sa trace se perd, malgré des recherches jusqu’en Allemagne. Nous apprenons néanmoins qu’elle est morte du typhus à Auschwitz, dix mois après son arrivée, le 2 mai 1944. Elle venait d’avoir 23 ans.

L’expérience de chef-monteuse de Martine Bouquin (elle a travaillé notamment avec Benoit Jacquot, Edgardo Cozarinsky, Raul Ruiz, Francesca Comencini, Jean- André Fieschi, Philippe Collin ou François Caillat…) procure indéniablement à la réalisatrice cette grande maîtrise des divers matériaux qu’elle rassemble. Betty Marcusfeld réalisé en 2015 clôt un triptyque qu’elle avait inauguré avec Les récits de la guerre » (2013) et poursuivi avec Baba (2014). J’ai eu le plaisir de programmer ces trois films dans le cadre de Mémoire familiale au Musée d’art et d’histoire du Judaïsme.

Saluons les propositions audacieuses du cinéma Saint André des arts qui contribuent régulièrement à documenter la disparition des Juifs d’Europe, témoins les présentations récentes des documentaires Les Yatzkan, d’Anna-Célia Kendall  et Natan, Le fantôme de la rue Francoeur de Francis Gendron avant Betty.

Je présenterai la première projection de Betty Marcusfeld, le mercredi 9 octobre à 13 heures, jour de Yom Kippour, hasard des impératifs des programmations qui débutent tous les mercredi !

BETTY MARCUSFELD, documentaire, France, 2015, 90’

du 9 octobre au 5 novembre, séances à 13h en présence de la réalisatrice et de ses invités :

9 octobre : Corinne Bacharach, Mahj de 2000 à 2017, 10 octobre : Thierry Garrel, « Chevalier documentaire », 11 octobre : Katy Hazan, OSE (Œuvre de Secours aux Enfants), 12 octobre : Norma Guevara, Festival International de Films de Femmes (Créteil),13 octobre : Antoine de Gaudemar, société de production audiovisuelle Folamour, 14 octobre : Nicole Dorra, « Ciné-Histoire », 16 octobre : Benoît Jacquot, cinéaste 17 octobre : Galith Touati, association « L'enfant et la Shoah - Yad.Layeled», 18 octobre : Claude Guisard, INA jusqu’en 1999, 19 octobre : François Caillat, cinéaste, 20 octobre : Ginette Kolinka, auteur de Retour à Birkenau (Grasset, 2019), 21 octobre : Natalie Balsan, dessinatrice, peintre, graveur, 29 octobre : Béatrice Commengé, écrivain, 5 novembre : Joseph Morder, cinéaste 

Cinéma Saint-André des Arts  30, rue Saint André des Arts, Paris 6e, Métro/RER Saint-Michel & Odéon 

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